The small Copenhagen music platform, Anyines, was founded in 2017 by long-time members of the Danish electronic (is there any other kind) music scene, Villads Klint (Minais B) and Aske Zidore (An Gella). Based out of the administrative building for a former maintenance facility for the Danish State train company DSB, the locations of their studio has the same atmosphere as the grizzly opening scenes of a season of The Killing, especially on the rainy dark and desolate evening that I met with them. But the grim thoughts conjured by the setting were immediately cast aside when I eventually made contact with the humans behind the platform.
Since their founding, Anyines has been the vehicle for eight releases, each of which has had a singular quality about them. The releases from An Gella (Perma, 2017) and SAD PIANO (Final Ears, 2019) seemed to share a fractured exploration of eclectic assortments of sonic material with the latter leaning more towards frenetic plunderphonia and the former more like a deep dive into the characteristics of the sounds themselves. V1 (Descent) by Gooms, a collaboration between Zidore, Jens Ramon and Suni Zacharias with drummer and vocalist Lasse Bækby Buch, is something of a departure from the initial releases from both the platform and the band. It features acoustic instruments and vocals, and it lingers in sounds as a way to produce space rather than as material to be investigated. This record is tagged on Bandcamp as “devotional” and that seems to hit the mark. Between the ethereal vocals and glacial harmonies, it does feel as if this record is communing with a transcendent force that has enraptured it.
Other releases feature a collaboration between the Rhythmic Music Conservatory and the Royal Danish Academy of Music on pieces of what is often called “new music” and uncompromising experimental works by Victor Espasandín (Árbol Bajo Tormenta, 2019) and Xenia Xamanek (Envase, 2019). The cover of the latter even features an original piece by the Danish artist, Lea Guldditte Hestelund, which was then featured on merchandise like temporary tattoos, iPhone cases and key rings. But this connection between Xamanek and Hestelund was only made possible by the platform. As Klint and Zidore recount, “they didn’t know each other so that was like a connection through Anyines. It could have gone wrong but their expressions just clicked”. Their most recent release, Prime Float // Unitary Perfect (2019) from percussionist Anders Vestergaard, is similarly out of keeping with what came before it. The record is comprised of two long tracks of intense relentless drumming with a character that is at once traditional (of somewhere) and modern (of somewhere else). It also comes with incense sticks made by Korean artist and incense maker Dambi Kim to establish the atmosphere.
Their first release from Anyines, Deep Care by Minais B, remains a mystery to me, however, as the album “expired” a year after its release. All that remains are shadow tracks that bleep, click, squeak and scratch at a barely audible volume. That and a picture of the jar of the similarly no-longer-available moisturizer cream that accompanied the release. “The original album is still available from a couple of places online”, says Klint. “I emailed them to ask them to switch out the files with the expired version, but they wouldn’t do it”. Full disclosure, I didn’t get that this is what was going on with Deep Care (Expired). After all, there are a great many experimental electronic music records that just sound like the expired version that you can still hear on Bandcamp. And while it would have been a ballsy maiden release for the platform—because sound art that inscrutable usually requires the clout of a well-established artist and label to fight off the inevitable criticisms that the Emperor is naked—I was glad to learn that their debut offering hadn’t been quite so patience-testing. Though, to play along, I have not sought out the original version to check for sure.
I don’t take all the blame for this misunderstanding, however. The information around this release was sparse as it is for many of the others from Anyines. Indeed this may be an example of the kind of freedom that Klint and Zidore feel they have by insisting that this is a platform rather than a record label. Anyines started originally as a way for Klint and Zidore, both of whom were studying at RMC at the time, to release their own material. So, the idea that they would be a “proper” record label, with a business plan and a growth strategy, was not the intention. But despite the fact that Anyines was only really meant for them, inevitably the platform experienced mission creep. As Klint notes, “It was meant to be just for us but we have so many friends making amazing music that it would be a shame not to help out”.
Still, they seem to prefer to refer to Anyines as a platform as opposed to a record label. As Zidore says “we didn’t want to be curating everything”, and Klint adds, “we wanted to open to being able to release things that weren’t necessarily music. We had a lot of things lined up that haven’t quite worked out yet.” This is still an ongoing desire for the platform and Zidore mentions he has a meeting in the following week with a group of people working on something he refers to as “an ever-evolving non-binary synthesized voice” and is himself experimenting with creating video games. They also wanted to make releasing stuff easy. Or if not easy exactly, a little less formal. They originally wanted to make Anyines an online-only platform. “The initial idea was like ‘fuck the vinyl’, we’re going to try something very different” reflects Klint. “But then we realized that even if you want to try something else, it’s still going to cost a lot of money and put a bunch of plastic shit out into the world. So, now it’s a little more relaxed. We did the Gooms vinyl and I’m going to release a vinyl soon and I’m also not afraid of being called a label now. It’s just fun to call it a platform and to keep it open.” But as Zidore adds “but every time we have the conversation about what fits with each release. Is vinyl the thing or should it be something else?”
The notion of the platform, in this sense, connects to the overarching aesthetic of Anyines as a space in which numerous diverse things come together. An example of this is the aforementioned collaboration between Xamanek and Hestelund. But on a more foundational level, the platform frame inflects everything that comes out of Anyines. We see this in the lighting on the moisturizer on the cover of Deep Care, the choice of font and layout on Envase that makes it look like a surreal version of a prestige fashion magazine, and the vacuumed packed CD of Perma. All of these speak to the antiseptic image-based values systems of contemporary social media platforms. Any of these images would, at first glance, fit in on a high-end influencers Instagram feed but on a second glance, something would appear amiss. If the London based label and art collective PC Music has perfected and extended the over-refined aesthetics of pop, then perhaps Anyines has performed the same procedure on those pop stars online platforms—removing the people and foregrounding the products and packaging—and paired the resulting visuals with music that explores the disorienting rush away from any real-world referent.
This is very much the intention. Klint mentions that they invited the musician and theorist, Mat Dryhurst, to speak at RMC during their last year of study. During the talk, Dryhurst remarked that the aesthetic philosophy and wider cultural understanding of independent music were still trapped in the post-punk image of the 1990s. In this old framework, making niche music was all about striking out on your own against the mainstream. But over time, this approach proved to be a lonely and less profitable way to basically reproduce the same kind of problematic individualism that dives so much of the mainstream. And stylistically, this rejection performed kind of separation from the rest of the world that makes little sense in our hyper-connected age. “It was amazing in the 90s to build up that kind of independence and financial independence, which was a kind of power,” remarks Klint. “But now it is so ad-driven and Instagram-driven, it’s just a different kind of economy, so it is a chance to try and keep it open towards something else”.
When I ask if they consider themselves to be part of a scene, Zidore responds “We probably are but I would not like to be a part of it”. This comment captures the ambivalence about the notion of a scene that ran through our entire conversation. On the one hand, Anyines operates in ways not dissimilar from many other labels in Copenhagen, they release music by their friends and their studio is flanked on either side by the studios of fellow RMC graduates. There is something close-knit about this arrangement. This clearly an environment of mutual support, closer to the notion of interdependence championed by the likes of Dryhurst rather than the independence of old. “I feel like we are part of a scene,” says Klint, “but that part of the scene that won’t be remembered because we are too small”. And Zidore adds “But I don’t think we can keep putting life into this if we don’t aim to make something different or to be doing something different. That’s why I’m still interested in it”.
I for one hope that Zidore and Klint can maintain their interest in the platform, which I consider to be one of the most interesting “labels” releasing music in Copenhagen today. There is a curiosity about their approach which is not only audible in the music that they have released so far but also evident in their desire to find the forms and formats that can push it into new places. Fortunately, it doesn’t seem like the founders losing interest in Anyines will be something we need to worry about any time soon. With upcoming releases from the experimental ensemble, Boli Group, a hopefully less temporary new release from Minais B, as well as work from new artists J.R.M.M.T. and Kassandra K. Bak, Anyines looks to be accidentally establishing itself as the label to pay attention to in Copenhagen in years to come. That said, they are still able to make use of the ambiguity afforded to them as a platform, with the aforementioned game developed by Zidore, Livets Midte (a title which, true to form, plays on the ambiguity between mid-life and the spiritual centre of life), to be released next year.
Info: Anyines presents a label night on November 13 (RSVP). This interview was originally published in Passive/Aggressive’s ZINE #8 “Scenic Capitalism” released this month. Get it here.
The periodic excitement over locally specific music scenes appears to be alive and well, having successfully survived the beginning of the Internet age and the still rising tendency of geographically displaced scenes. It would be a stretch to say that the functioning of local scenes has not at all changed, but despite the fact that the ability to publish music releases and build up an international fanbase have become easier, reliance on the immediate environment for both social and economic resources still calls for a local rootedness. And although the existence of closely linked networks that make up a music scene can be seen to have had a somewhat diminishing effect on the outdated myth of the individual artistic genius, a sufficiently internally and/or externally hyped music scene inevitably tends to become mythologized itself. The idea of a music scene being the product of a happy accident of sorts, a peculiar accumulation of talent in one place over a certain period of time, appears to be something the dominant music media discourse has yet to overcome.
The Copenhagen music scene is no stranger to this brand of idealized (self-)image. In the early 2010’s a number of features on Iceage and the Danish punk scene were published in the international music media, soon followed by the hype around the label Posh Isolation and the Danish experimental/electronic music scene, while the past few years have seen Copenhagen DJs and producers gain attention and shift focus towards the city’s “fast techno” scene. It seems like interest in the Danish music scene in international music circles recurs on an almost cyclical basis, (re)producing the impression that there must indeed be something special about this relatively small milieu if it has – over a relatively short period of time – yielded such a large number of exciting acts operating in diverse musical domains. Another often overlooked point about these enthusiastic portrayals of the city’s music landscape is that they usually come from the local scene forerunners, which on the one hand of course makes sense since they were the ones who have helped put the scene on its feet, but on the other hand Copenhagen is an increasingly international city where immigrants make up over a quarter of total population, so it felt like it was about time to bring some internationals into the conversation as well.
“The idea of a music scene being the product of a happy accident of sorts, a peculiar accumulation of talent in one place over a certain period of time, appears to be something the dominant music media discourse has yet to overcome.”
Even in the light of all the hype surrounding the Copenhagen music scene, it still might come as a surprise to locals that there are people who have actually moved to be a part of this. “I mean I came here for it,” says Cameron Pagett, photographer and writer at Passive/Aggressive and promoter with Agartha Productions, “I was just this weird guy working in DIY in LA and loosely in New York and sometimes San Francisco, and I was listening to Posh Isolation, I was listening to Janushoved, and I was coming out here quite a bit because the music was just better. It was so inspiring and very different to what I was used to but very close to what I naturally gravitate to.” The importance of being already familiar with the local music scene is something I can relate to myself – even if it wasn’t the sole nor the main reason for my move to Copenhagen, a rich and internationally recognized music scene was definitely one of the strong “pros”.
An impressive music scene is only one side of the coin, though, as Denmark is internationally notorious as one of the most difficult places in the world to make friends. If we consider the importance of a social network to the operation of any sort of culture or subculture scene, it does seem reasonable to expect that this could be a potential problem for newcomers.
“I think coming here and not being Danish – you have to kinda work on your own thing and find your place in the scene a bit, but I guess it’s like that in most cities,” Toby Ridler, the London-bred producer behind the Becoming Real moniker and member of the self-described “approachable weirdos” ZONE Collective, tells me. American musician and producer Chris Shields, also known as one half of Vid Edda, claims that it was only during the first year out of four that that he has lived here has felt alienated, and that he has in fact found himself “very quickly invited to perform and attend a variety of events. I have performed at all of my favorite places to see music, and I think that’s incredible.”
So making connections with like-minded peers seems to be easier than one might expect, while detecting the main hotspots of the scene is expectedly effortless in a city this size. Pointing out the venue Mayhem and the friendly way it is run, Ridler adds: “you get lots of great shows here in really weird spaces, that is something I love about this city.” Pagett compares Copenhagen to LA concluding that the latter is very big “so it’s kinda hard to stay interconnected outside of shows. There is no, like, Blågårdsgade or some place where you can just see everybody all the time.” The possibility of regularly encountering many participants of the scene at certain spots in the city is no guarantee of there being close relations between them, though. “I was stunned about how few interactions there were between small circles of friends,” says Shields, “A few years ago I couldn’t believe at all that two people I know who are both from Copenhagen, both make power electronics & harsh noise and both play at the same small venues didn’t know each other. That’s a scene of like eight people!”
Chris Shields explains how back in Baltimore “people were more desperate in an immediate way, which required a lot more heart and soul going into running an arts or show space, almost all of which were illegal.” He says, for years, he lived in and organized a show space: “Any chance of making money off of it was completely laughable. It felt worth it because it was making a space to create things together with a community, and the opportunity for an honest self expression was untouchable.”
Danish reluctance to mix different circles of friends aside, a smaller, more compact environment does make it easy for the actors of the scene to stay connected. On the other hand, it might also have the effect of limiting the diversity of input into the collective pool of shared ideas. “Previously living in Berlin, the scene is much more fluid there and you see a lot of crossover and more of a dialogue between the fringes of genres. I find in Copenhagen it’s a bit more reserved in terms of what lanes parts of the scenes stay in here, which is also what makes it quite cohesive,” explains Ridler, and comes back to it later: “I would love to see some more weirder nights happening here, there’s not so much pop or grime, or urban music I grew up with coming from more multicultural cities like London and Berlin.”
Shields mentions another aspect of diversity, that of mixing different arts and culture scenes. Speaking of coming up on the scene in Baltimore – a city about the same size as Copenhagen population wise – he connects that community’s versatility to shared living and practicing spaces: “The combination of a large group of passionate people and cheap, big spaces to make things in meant that there were a lot of exciting things happening while I was there. Dancers would share spaces with punk bands, who were made up of painters and sculptors, who would live inside galleries, etc etc – the whole ‘creative community’ was very closely woven together and the places that people gathered in were open to most formats. People had their friend circles, of course, but things were not clearly separated by artistic interest or medium.”
“This was largely because people had to share resources and look out for each other – the city gave basically nothing monetary or formally to any artists – so there was a lot of mixing of style,” says Shields and brings us to another point about Copenhagen scene that everyone who moves here is quick to notice. A music scene or an artist community is often built precisely around the need to share the resources (that not all individual participants would normally be able to afford on their own), which ultimately leads to sharing the ideas and artistic practices. But what happens when you operate in an environment of abundance?
Back when discussing the lack of diversity in musical expression in Copenhagen, Ridler touched on precisely this issue, one that is hard to ignore when you first come here and that “has lots more to do with economy and class and history of the country. Copenhagen is a really privileged city and is mainly white and middle class, so the melting pot of ideas here is so so different from say that of London where class divide, the mixture of minorities and different areas of the city play such big roles in the musical landscape in the UK music scene… From post punk to grime and urban dance music, you know, a lot of that music is rebel music.” The latter point resonates deeply: while I generally enjoy the shows and releases by many local artists here, I very often feel like they take place in a socio-political vacuum. Not only in the music itself, but in the discourse surrounding it, there seems to be very little to point at any sort of, even casual, commentary or relation to the Danish society. Perhaps detachment from the local context outside of the music scene bubble is down to the international aspirations Danish acts seem to have from the get go, but still, this only adds to the dispassionate impression the events on the Copenhagen scene can sometimes leave. Chris Shields explains how back in Baltimore “people were more desperate in an immediate way, which required a lot more heart and soul going into running an arts or show space, almost all of which were illegal.” He says, for years, he lived in and organized a show space: “Any chance of making money off of it was completely laughable. It felt worth it because it was making a space to create things together with a community, and the opportunity for an honest self expression was untouchable.”
Pagett echoes this sentiment when he ponders on what might be missing from the Copenhagen scene and describes one of the strengths of musical expression in the States, where “a lot of things are really difficult and you really get to hear people’s hearts, whereas here it’s more like extrapolating on theory or something, so it’s a bit more cold sounding, more detached, it’s less empathetic… There’s a lot of really great artists here that really put their hearts on the line, but sometimes I wish you could really hear that inner wailing outside of how everything here can be very stylized, or very aesthetic.” That same raw quality and desperation is difficult to get here because “people are privileged, really, and I’m not sure if it’s even possible,” Pagett hesitates before softening his claim by identifying some positive examples from the Copenhagen scene.
“The latter point resonates deeply: while I generally enjoy the shows and releases by many local artists here, I very often feel like they take place in a socio-political vacuum. Not only in the music itself, but in the discourse surrounding it, there seems to be very little to point at any sort of, even casual, commentary or relation to the Danish society.”
The perception of Danish musicians as a privileged bunch does not only stem from the general perception of the country and its people being well off – it is also down to funding possibilities, the mere existence of which is something all of the guys that have spoken to me find to be the main difference from the music scenes they were previously active in. Pagett laughs off the idea of funding possibilities in the context of music scenes in the US as “completely non-existent”, stating that there “you’re just fucked.” Shields elaborates: “For someone living in a very poor city in a country with next to zero arts funding, if you chose to spend your time making art, especially experimental art, you were 100% going to have basically no income from it. I don’t think I know anybody who is able to support themselves off of their art there – even members of quite famous bands still have jobs washing dishes at restaurants or driving trucks, etc.” While this is also to some extent a wider issue of the precarious times in which we live, times when pursuing a career in underground music (and arts in general) is something you need to be able to afford to get into in the first place, it is definitely hard to shake off the impression that around here it simply doesn’t require that many sacrifices on both the personal and professional level. This is also something that makes it difficult to take seriously any uncritical praise of the Copenhagen scene that doesn’t take into account the influence of a generous environment and a supportive infrastructure.
Another point Shields makes in relation to this opens up some new questions, mixing the specificities of this particular scene and the way younger generations of artists are able to go around the limitations of geographical scenes and local support: “When there are so many options to snap your fingers and have grant money to go on tour or put out a record on your friend’s label and just use the internet to write about it, it really doesn’t depend at all on there being a local infrastructure or community to support and stand behind it. That’s a huge difference from what I’m used to and still feels cold to me.” He goes back to it one more time, recounting his conversations with friends about “what makes a small local scene seem like it’s a cohesive thing with its own local culture – it’s definitely hard to say now that people are so good at promoting themselves internationally on the internet. That’s maybe a different conversation, but one that I would like to have more.”
This might not only be down to the individual promotion skills, it could also have something to do with the local music media and music aficionados’ almost religious-like devotion to following the events, artists and releases on the Copenhagen scene. Either way, it is precisely having open conversations, including different participants, and allowing for more of constructive criticism to enter the discourse around local music scene that can help it self-reflect, incorporate more diverse influences and grow in ever more interesting directions.
Info: The essay “Make It Weirder: The Scene from an International Perspective” was originally published in Passive/Aggressive #8 on November 1st. Read more and find a copy via our prints section. Ivna Franic is a Copenhagen-based writer and promoter. She has been part of the music scene in Zagreb 10 years and contributed to several international publications.
Peter Jørgensen ”Alt i stykker” (No Technique, 2019) – review by Giuseppe Pisano
Along the years Peter Jørgensen has developed a compositional style that shares common elements with both the new wave of Scandinavian electronic ambient music and the modern-classical long form experimentations of either minimal-music composers such as Morton Feldman and more recent figures in the contemporary music panorama such as Anthony Pateras.
In this sense his new album “Alt i stykker” continues the statement made with the previous release, “Gold Beach”, and delivers us two formally beautiful long pieces of what I would define as instrumental drone music.
”For Countertenor & Ensemble”, as stated in the title, is a composition that features a quite unusual vocal timbre and a sophisticated melange of instruments that together contribute to the shaping of an unreal realm of dystopic beauty. Everything is carefully studied to the smallest detail: the interventions of ritual Buddhist percussions (played by Mike Weis) articulate the moments of the meditations, the everlasting sounds of pedals, at times physically present or of a synthetic ethereal nature, guide us through, and the eruptions of the androgynous voice play with the concept of gender and identity in a way that resembles pieces such as ”Fedra” or ”Rara” by Sylvano Bussotti.
The piece starts with an incredibly powerful blast of sound, that wakes us up from reality, into a dream, the other way around, so that what we consider reality feels shattered into pieces. After the shock we smoothly get acquainted with this new sonic realm that, despite its strangeness, normalizes around us into a new setting. With this gesture Peter Jørgensen sets the frame for the whole album and begins his interaction of timbres.
The intrinsic nature of the sounds he uses already suggests the structure of the pieces as they develop: long and intangible resonances flutter around, highlighting different harmonics and timbral qualities in the spectrum. Sound tones are sent through a prism, refracted, and shown in their hidden components that we get to observe and experience, as they are assigned to different instruments and roles, dwelling in a mellow dance. Tiny high waves glimmer in the dark and shine of suspended tension.
In ”Corale + Outro” we have the same setting and development, just with an even more rarefied interaction and the evocative beauty of the sound of the trumpet, gently touching our ears from a melancholic distance. Here the harmonic progression tends to easier, almost pop, resolutions, bringing us to the ground every time we feel like we are floating too far into the void.
While Jørgensen’s music is well arranged in terms of timbre and spectrum, the physical distance of the different sounds plays a minor role in the shaping of this soundscape. This makes the album appear a bit two-dimensional at times and lessens the sense of a personal identity. Nevertheless, the whole record flows fluidly due to its formal balance and structural attention, making it a very enjoyable listen. Jørgensen’s two-piece suite constitutes a complex ecosystem in which rarefied actions and reactions soothe the ears and the mind, affording a beautiful escape from reality.
Info: ”Alt i stykker” was released in the middle of June by the new Copenhagen label No Technique.
Editor’s note: Peter Jørgensen is a contributor to Passive/Aggressive. Thus we commissioned a new writer to review the album. The reviewer, Giuseppe Pisano, is an electroacoustic composer and sound artist based in Oslo.
Passive/Aggressive udgiver i dag tredje udgave af vores Festskrift-serie. Festskrifterne er samlinger af tekster skrevet, udformet og illustreret af musikere/forfattere selv. Nyeste skud på stammen er en samling refleksioner over rockens betydning i 2019, hvor hverken længde, format eller indhold er blevet dikteret af en redaktion – den slags beslutninger har ligget i hænderne på de enkelte forfattere.
Tekster af Anna Ullman, Baby In Vain, Clarissa Connelly, Jonathan Carstensen (First Flush), Peter Laugesen, Troels Damgaard-Christensen (Collider). Illustrationer og opsætning er lavet af Mathias Skafte Andersen. Redaktion af Jonathan Carstensen og Nils Bloch.
Her følger et uddrag af festskriftets introduktion.
Det er, som om rocken er indsat i en evig vekselvirkning mellem at blive erklæret død og genopstanden, mellem myte og realitet, mellem at være et opråb mod magtstrukturerne og at opretholde en kapitalisme. I øjeblikket befinder den sig øjensynligt i en bølgedal. Den lever sit stille liv langt fra musikmedier og nye lytteres søgelys, og af mange toneangivende debattører og miljøer afskrives den som bagstræberisk og udtjent.
For ganske få år siden var rocken en slags neutral default-mode. Både i mediebilledet og som kunstnerisk udgangspunkt: Musik begyndte i et øvelokale med en traditionel bandopsætning. For længst er den blevet overhalet indenom af laptops og producervælde. Moderne kulturredaktioner styrer skibet sikkert uden om headbangende isbjerge, og rocken får kun plads som navlepillende ikondyrkelse, når medierne en sjælden gang sætter velkendte rockanmeldere på græs. Det er i sandhed et fald fra tinderne. Men det er sket før, at føniksen har rejst sig fra asken.
I dette festskrift spørger vi, om rockmusikken stadig har relevans – eller om den må efterlades til anakronistiske fadøls-komsammener over mandsdominerede rockismer? Ofret på den kunstneriske fremdrifts alter. Måske har internettets cementering som kulturens centrum overflødiggjort guitarer, trommesæt og kropslighed. Måske har rocken været for fastlåst i traditioner til at kunne træde ind i denne nye virkelighed, der om nogen afkræver både kunstnerisk og identitetsmæssig smidighed.
Rocken er mere end nogen anden genre tynget og defineret af maskulin heltedyrkelse og giftige sexistiske faldgruber – cigaretter, whisky og nøgne piger. Både opførsel og stilistisk udtryk gjort til skabeloner, overleveret gennem generationer. Men midt i den nuværende bølgedal spores en subversion af disse idealer. Det vakuum, der opstod, da middelklassefyrene løsnede guitarremmen og lagde læderjakken, er nu overtaget af kvinderne og undergrundens eksperimentalister, der udfordrer rockens mytedannelses repetitive logik.
Om der er en decideret renæssance på vej, er svært at spå om, men måske vil rocken genopstå som en reaktion mod den elektroniske musiks dominans. Et opgør med statiske solo-performere – selvudslettende kroppe kun oplyst af computerskærmens blålige skær. En kunstnerisk reaktualisering af fejlbarlighed, kropslighed og kollektivt gehør.
Om udgivelsen: Festskrift III. 60 sider. Udgives i 350 eksemplarer. Pris 30 kr. Opsætning af Mathias Skafte Andersen. Glasskæring og nikkelhæftning hos Narayana Press. Udgivelsen kan købes til release den 22. juni, ligesom det er muligt at bestille den igennem mailorder via www.passiveaggressive.dk/print og www.patreon.com/pasaggressive eller købe den i distribution i Insula Music. Tak til Mikkel Arre og Statens Kunstfond.
P/A er en nonprofit-organisation, og tryksagen udgives til produktionsomkostningerne.
Info: Udgivelsen fejres med en uformel releasehos KLD Repro på Nørrebro d. 22. juni 12-16.
From a landscape in bright, vibrant colours, animal shapes emerge, almost unrecognizable, caught in motion in twisted stances, their colours just as lively as those of the lands that have given birth to them. Between 1944 and 1946, Danish artist Asger Jorn painted “Animaux Animé” – meaning both “animated animals” and “lively animals”. The painting is set in raw and bold brush strokes, mirroring the immediate, innocent vitality of animals. Animaux Animé have taken their name from the picture, and it fits well.
A live concert by Animaux Animé is a captivating experience. Playing what they call “dødsdisko” (death disco), their concerts are wild, primordial and quite refreshing. The group is not occupied with virtuosity or technical prowess. While I had a chat with the band, guitarist Frederik Prinesse Hansen told me that he is making mistakes all the time when playing live. But it doesn’t matter: The immediate impact of the performance is the focal point of Animaux Animé.
And much like in Asger Jorn’s painting, this is achieved by bold brush strokes: The band takes delight in broad gestures. They are getting their ingredients from many different sources, which makes them hard to pin-point stylistically. A simple point can be made, though: There are no slow songs here. What holds the songs together is a reliance on intuition. When creating their songs, the band simply knows what is and what is not Animaux Animé. Each of the members is engaged in several other groups and projects, and this means they all bring something different and unique into the group. And it is also what allows them to take cues and ingredients from post-punk to disco, and even faint echoes of death metal riffing, without ever becoming inconsistent.
This owes in part to the band’s history: Formed as a four-piece group in 2014, they have had a lot of time to flesh out and formulate their essence. Many members have drifted in and out of Animaux Animé, and through these changes, they have found their present form. Today, all of the five members know their role exactly. This is what enables them to create the special tension that is palpable during their live performances. All members can rely on each other, which gives them the freedom to act as spontaneously as they do during their live concerts. And Animaux Animé are very much a live band. They describe themselves as an art project disguised as entertainment, and it works: Vocalist Thor Wendlandt has a strong stage presence, engaging the audience with spontaneous antics in between songs, on-stage and off-stage.
With this group, everything is an act. Joakim Moesgaard, who plays synthesizer in Animaux Animé, describes the band as ”undergroud stadium rock“. They are very much aware of the difference between show and concert. And they are going all-in for the show. Atmosphere and aesthetics are the starting points for a band that never performs without outlandish fashion and make-up. They call it „warpaint“. But they don’t use it to hide themselves, on the contrary: Mascara and lipstick are used as a vehicle to set the stage and to create the right mood. Make-up becomes a device for a transformation ritual. There is a long tradition of on-stage drama and costumes in rock music, from the Residents to Laibach and Marilyn Manson. What Animaux Animé share with these groups is a will to transcend the personal, a will to become a pure act. Fittingly, the lyrics are impersonal, or ”nothing from the diary“, as Thor Wendlandt puts it.
In the end, it’s all for the show. Animaux Animé are refreshingly free of pretensions, and their main aim is to engage. With their physically intense stage performance, and their music being as much at home in punk cellars as on theater stages, they ravish the audience, and they give all for it.
Info: Animaux Animé released their first EP, ”Animaux Animé”, on 1245644 Records in April.
Passive/Aggressive er på sommerferie rundt omkring i Nord- og Centraleuropa. Vi vender tilbage med nyt indhold midt i august.
Har du forslag til anmeldelser, printudgivelser eller musikudgivelser til lydarkivet Sounds, så send dem til os på info@passiveaggressive.dk.
Hvis du ønsker at bidrage med tekst til Passive/Aggressive i løbet af efteråret, så send en mail til redaktionen på info@passiveaggressive.dk med et par ord om dig selv.
The eighth annual, international Passive/Aggressive zine is set to be released in November as part of the program for Gong Tomorrow 2019. The zine opens with a critical essay on Brian Eno’s notion of the scenius from a materialist perspective and arguing instead for Kodwo Eshun’s conception of Interpretative Communities. Unlike the scenius, which foregrounds the capacity of this social form to produce cultural commodities, for Eshun, this mode of community is an existential concern built in response to the radical dissonance we can feel in relation to the world.
“Such a perspective would, if properly practiced, include those priced out of town, the unfunded projects, the unmarketable, the dissident and the politically inconvenient,” writes Macon Holt.
The magazine also features an interview with Astrid Sonne about the experimental music circuit, and the first recorded interview about the music platform Anyines with founders Villads Klint and Aske Zidore. In her essay, Ivna Franic takes a look at the local underground scene from the outside, and as a tribute to the physical store in a digital age, we have gathered testimonials about the non-hierarchical practices in the now-closed record store Insula Music. As an inaugural feature Passive/Aggressive has also made an index of all underground labels operating from Denmark.
The cover art was created specifically for this themed zine by the renowned German/Danish artist, Ursula Reuter Christiansen. For this, we are immensely grateful and want to extend a special thank you to Ursula from our small non-profit gathering.
“While I generally enjoy the shows and releases by many local artists here, I very often feel like they take place in a sociopolitical vacuum. Not only in the music itself, but in the discourse surrounding it, there seems to be very little to point at any sort of, even casual, commentary or relation to the Danish society.” – Ivna Franic
“I don’t want to be an artist known for doing some specific thing and playing at the same festivals every other year. I would also like to be able to move around the world of contemporary classical music, where people listen to music in a completely different way. In this sphere, music is presented differently. The whole ritual is different. The silence, the dedication – it’s almost holy. You come across that sort of thing in some parts of the electronic scene too, but that world stems from another tradition – rock and pop concerts, only now they’re performed in boring postures, crouched over tables – and it is closely tied to partying for better or worse,” Astrid Sonne tells Ida S. Faaborg.
“It was amazing in the 90s to build up that kind of independence and financial independence, which was a kind of power,” remarks Villads Klint. “But now it is so ad-driven and Instagram-driven, it’s just a different kind of economy, so it is a chance to try and keep it open towards something else”. When Macon Holt ask if they consider themselves to be part of a scene, Aske Zidore responds “We probably are but I would not like to be a part of it.”
“Insula, for me, offered a deeply felt experience of curiosity, which is not something one should take for granted. Many record stores – as well as retail stores within the culture-industry more generally – tend to succumb to a reproduction of the same, merely selling what is already a safe investment; products that are inscribed in a capitalistic circuit, rather than opposing or breaking that circuit, one way or the other. Against this, Insula always managed to expose me to a world of new faces and sounds in music,” Alexander Julin writes in a tribute to the physical record store.
“Insula Music was always my first stop when visiting Copenhagen and a true underground milestone. The store and it’s lovely owner Troels, worked like glue between all those tiny scenes that Copenhagen has, and the reason I have an entire shelf of Danish madness at home!” – Dennis Tyfus, Ultra Eczema
ZINE #8 was written and edited by Macon Holt, Ivna Franic, Ida S. Faaborg, Mikkel Arre and Simon Christensen with approximately 30 cited sources from the DIY scene in Denmark and abroad including Dennis Tyfus, Chris Shields, Loke Rahbek, Danny Kreutzfeldt and more. Design by Wilfred Wagner. Cover page by Ursula Reuter Christiansen.
Price: By donation (Mobile Pay no. 16919) – or: Subscribe at patreon.com/pasaggressive to get the zine sent to your home. By doing so you will support the future print releases of Foreningen Passive/Aggressive. A complete list of our previous publications can be found at www.passiveaggressive.dk/prints
Passive/Aggressive #8 – Table of contents:
Scenic Capitalism, Nostalgia Machines and Interpretive Communities (essay by Macon Holt) Make It Weirder: The Scene from an International Perspective (essay by Ivna Franic) Branching beyond the scene: An interview with Astrid Sonne Record labels in the age of the platform: An interview with Anyines Who Is Who: Underground Label Index Insula Community Center: Perspectives on the physical record store Cover: Ursula Reuter Christiansen
Distribution: Passive/Aggressive #8 will be available here from November 5th or shortly thereafter: Charlottenborg Kunsthal, Sort Kaffe & Vinyl, Percy Records, Ark Books, Omni, Copenhagen Contemporary, Krabbesholm Højskole, Skive, Musik- og Teaterhøjskolen Toftlund, Jonas Torstensen Distro, Odense, 1000fryd, Aalborg, Aarhus Kunsthal / Antipyrine, WORM, Rotterdam, Inter Arts Center, Malmö, Café Oto, London, Big Love Records, Tokyo, Commend, New York and via mailorder.
ISSN: 2245-862X Supported by Gong Tomorrow and Statens Kunstfond. Passive/Aggressive is a non-profit publication.
Johan Carøe ”zenmetal” (No Technique, 2019) – review by Wieland Rambke
There is something hypnotic about the sound of sound on warped tape: When the recording begins to warble, and both speed and pitch start stumbling, a sort of micro-tuning of time is taking place. The medium itself is loosening up, it is letting go.
The press text for “zenmetal”, Johan Carøe’s debut EP out on Copenhagen-based label No Technique, mentions overcoming anxiety as a main impetus behind the pieces on this release. This appears to have made Carøe apply different working methods than he works as a composer of film soundtracks.
Composing music for a film means to follow a mood and structure that has already been established: By the film’s dramatic progression, its basic mood spectrum, and not least its editing. More often than not, music in film is meant to only emphasize what is there already: To further the emotional impact of a particular scene, and to give guidance to the viewer. It is often used highly manipulatively and to provoke a particular reaction from the viewer. Very few directors work like David Lynch, who time and again has told that many scenes in his films actually had music or a particular sound recording as a starting point: Instead of finishing a scene and then finding music to accompany what is happening on-screen, he would find imagery and stories that accompany the mood of the music – a highly intuitive approach.
To follow your intuition, and to learn to let the moment guide you can be seen as the opposite of anxiety. And this is exactly how the recordings on „zenmetal“ have come about. Imperfections in the recordings are not identified as such. Here we have a group of pieces, about half of them in miniature length, that seem like moody, yet playful exercises in letting go. This approach allows the moment to breathe. All pieces on this release feel like free excursions, they wander without feeling a need to know where to. Undoubtedly, as exercised here, to just play right away is a great way of addressing anxiety: Anxiety about having to fulfill or to deliver.
The recordings, mostly in the field between ambient and drone, are as relaxing for the listener as they must have been for the composer. They are deeply contemplative. It is a great release for autumn. At the same time, the pieces are physical, immediate. The physical world is an incoherent mess, and this will never change. Instead, it is there to be appreciated. And on „zenmetal“, imperfections are left as they are. To make these recordings was an end in itself: They didn’t start as ideas, but as an approach. And when you start with an approach instead of an idea, then there is no possibility of failing, there is only the act and the moment itself. This is indeed „very Zen“.
On ”used to be your favorite month but not anymore“, created in collaboration with Sofie Birch, notes are dripping over each other irregularly, like the parallel rhythms of church bells. Again, time is handled flexibly, before the piece dissolves into haunting voices over sparse, deep tones.
However, although this release might have started as an escape from anxiety and the restraints of planning music for film, the pieces have an unmistakably dramatic quality. One can easily imagine dialogue in between these recordings.
This is taken to its cinematic conclusion on “pink desert”, the last track on „zenmetal“, which is a collaboration with Gabo Barranco (also known as AAAA): Sharp cuts lead from one miniature to another, seemingly applying the logics of film editing to composition. And „happy dogs“, the second collaboration with Barranco here, starts with harmonious, light drones, until a sudden dissonance is hitting. The mood shifts, the sweet becomes bitter, while the tonal texture remains intact. This reminded me of the work of Angelo Badalamenti, David Lynch’s household composer, who Johan Carøe has also collaborated with before. One of Lynch’s points of rotation is the collision of contrasts, and a”happy dogs” seems to owe to that same approach.
With all its openness towards imperfection, it is very fitting that ”zenmetal” is released on tape: A medium that becomes more and more warped by continuous use, where the physical properties and boundaries of the medium are leading a life of its own. There is no need to resist imperfection. It is life itself.
Info: ”zenmetal” was released by No Technique on October 17.
Before he was the head of the European Bank of Reconstruction and Development, and before he was an economic advisor to French president François Mitterrand, Jacques Attali wrote a strange book that was hugely influential within peculiar circles—“Noise: The Political Economy of Music (Bruits: essai sur l’economie politique de la musique)”. The book appeared in French in the late 1970s amid a flurry of intellectual innovations that had been spawned by the newly apparent political possibilities following the uproar of 1968. In this atmosphere in which ideas of how the world could be transformed seemed to be spilling out of every sector of culture while formal institutions tried to play catch-up, music stood out to Attali as the most powerful (and the most under-theorized) source for understanding the forces of production that create the world around us. And, as he studied it, it became apparent to him that this was not a new phenomenon. Indeed, it has always been the case.
This is a book about how we can trace the development and force of ideas as they intersect with material circumstances. And for Attali, only music could provide the sufficiently rich resources on which to base this shift in economic thinking.
However, music is not music in the first instance. Rather, everything starts with Noise. As Attali begins the book:
“For twenty-five centuries, Western knowledge has tried to look upon the world. It has failed to understand that the world is not for the beholding. It is for hearing. It is not legible, but audible. Our science has always desired to monitor, measure, abstract, and castrate meaning, forgetting that life is full of noise and that death alone is silent: work noise, noise of man, and noise of beast. Noise bought, sold, or prohibited. Nothing essential happens in the absence of noise.“
For Attali, it is in noise that we find the underlying chaos of what it is to exist, to live and to change. Our ability to understand this has been hampered by the hegemonic obsession with the notion that the violent mess of reality could not be the actuality of the world. The false belief that the truth must lie in some transcendental plane accessible only through rationality. Against this, Attali says that we should listen to the cacophony that surrounds us to not only recognize where the dominant paradigm falls short but to hear an echo of what the future will bring.
The first step he takes in the analysis is to define a specific counter-category to noise in music. The reason for this, he cites, is the peculiar autonomy the form has taken on in recent centuries, which he sees as indicative of wider historical, economic and political developments. He then divides the history of music into four periods: Sacrificing, Representing, Repeating and Composing. Each of these, Attali claims, were/are predictive of a coming shift in political economy. While Marxist analysis has long claimed that political and economic forces could be found influencing the form and content of cultural practices like music, Attali wants to flip this base/superstructure relationship. Instead of music articulating the economic reality of the present, he claims that music produced under these conditions articulates how things will change in the future.
During the period of sacrificing—roughly speaking pre-modern music from before 1500—, Attali claims that music emerged in the daily practices of people as a way to contain the chaotic noise of nature and silence of death. Music in this period was used to resist these forces as a new civilization was being established that would see humanity attempting to separate itself from nature. Music was a means of sacrifice that would allow humans to transcend the state of nature and move into the status of quasi-gods. In this way, music is complicit in the production of one of the most dangerous and persistent illusions we live with today, that humanity is somehow above the world of which it is a part.
The period which Attali calls representing sees the role of music shift form the role of producing this separation to defining it. From roughly 1500-1900 many music practices that had only existed as ephemeral vibrations in the air made their way into more permanent physical forms through notation. Music had seemingly transcended its spatiotemporal limitations and could now be reproduced and standardized, anywhere at any time. Following this were developments in record-keeping such as the widespread adoption of double-entry accounting that allowed for the tracking and verification of financial transactions, which ultimately lead to the development of the economic system of capitalism in the 1700s. Another development in this period of representation were practices for the systemized collection of empirical data. As writers such a Michel Foucault have argued, this lead to the production of new and powerful forms of knowledge. An example of this was the shift from romantic concepts such as the generalized mass of “the people of a nation”, to what could now be reliably accounted for as a quantifiable population. With this new conception, the economic or military capacities of a people could be precisely determined and mobilized. For Attali, these trends pointed in one direction, the mass production of industrialization.
The moment in his history in which he wrote the book, Attali considered to be part of the period of repeating. From about 1900 to his present, Attali saw the recording and broadcast of sound as paradigmatic of the unprecedented productive capacities of late-stage capitalism. More music could be produced now than ever before. More than anyone would ever have the time to listen to. This, however, lead to contradictions that Attali was eager to critique.
“The major contradiction of repetition is in evidence here: people must devote their time to producing the means to buy recordings of other people’s time, losing in the process not only the use of own their time, but also the time required to use other people’s time. Stockpiling then becomes a substitute, not a preliminary condition, for use. People buy more records than they can listen to. They stockpile what they want to find the time to hear. Use-time and exchange-time destroy one another. This explains the valorization of very short works, the only ones it is possible to use, and of complete sets, the only ones worth the effort of stockpiling. This also explains the partial return to a status prior to that of representation: music is no longer heard in silence. It is integrated into a whole. But as background noise to a way of life music can no longer endow with meaning.“
Like Adorno before him, Attali saw the mass production that had been facilitated by industrialization as leading to the banalization of music in line with market demands. However, unlike Adorno, he saw some potential in the slow drift away from the paradigm of representation facilitated by these technologies of production, reproduction and distribution. Repurposed, Attali claimed, these tools could be used for the purposes of liberation.
This lead to the speculative portion of Attali’s peculiar history; the period of composing. Attali claims that the musical practices that emerged as a result of sound recording technologies promised the coming of an age in which production could be democratized. In more standard Marxist terms, one could call this the seizing of the means of musical production, which Attali suggested would prefigure a more generalized redistribution of productive power. However, from today’s vantage point, approaching nearly half a century after this theory of history was first floated, we may be more than a little skeptical that access to programs like Garage Band and platforms like SoundCloud will lead to a more generalized reorganization of political economy. That being said, such things often seem impossible right up until they happen.
“Noise” is a remarkable book in terms of both its imaginative potential and its audacity. Even critics of the book—like Steve Goodman, who refers to Attali’s utopian vision, rightly, as “masturbatory”—draw from its reconceptualization of music as a force of historical importance. And while the history it recounts may be contestable, to focus on inaccuracies is to read the book in the wrong way. “Noise” seeks to disrupt more reputable representations of how we arrived where we are by focusing on a vital set of sonic practices that have endured and mutated over time and throughout society. There are so many people who will tell you they couldn’t live without music that it has become a cliché. In “Noise”, Attali uses his skills as an economist to try and prove them right.
Info: “Noise: The Political Economy of Music” was originally published by Presses Universitaires de France in 1977.
In August Sufie Elmgreen aka. D/O Ripper and a group of vocalists gathered under the moniker, Whistleblowers Ununite, performed the piece “Harness of Patience Epics ( H.O.P.E. )” in Rundetårn [The Round Tower] in Copenhagen as part of the exhibition “A Play, A Tale”.
We are happy here at Passive/Aggressive to display/present the context artworks and scores, the instructions for the performers as well as the excellent feverdream-ish documentation of the performance.
The performance was centered around hi-intensity choir exercises, acting as a dramatized sound-art performance that was politically charged because the singers were reciting Sun Ra’s text “This Planet is Doomed”.
The performance dealt with artistic conflicts of interests and socio-morals through the symbolic gesture of the “paparazzi hand” and the way the performers were instructed to, for instance, suddenly run or rudely pass audience members, but also through how they were encouraged to act both communal and individual and by using their voices create a symphony.
What we don’t see in the documentation, but which is nice to know and imagine, is that all the way from the entrance of the exhibition space ( for a stretch of about 2 stories) 30 “whistleblowers” (with actual whistles, but also as a reference to the political disruptor/leaker/teller) created a cacophony of whistling, turning Rundetårn itself into an instrument.
D/O Ripper has played in the band sæNk and been an active part on the Danish experimental music scene as well as of the thriving art scene in the last couple of years.
Harness of Patience Epics ( H.O.P.E. )
tuning fork or phone in hand. whistle in pocket or hand. black teeth. you have warmed up your voice (could be siren, vocal fry, yawn) … think about your song you will sing this one to and for yourself only… go for a sulky face, you’re MOODY you were just with the others, imagine putting on headphones.
HOLD THE PHONE STILL. KEEP IT BY YOUR EAR. FORK-TUNERS FIND YOUR NOTE. !SIGN! HEEL CLACK. HEEL CLACK. ON THIRD HEELCLACK: BEGIN! MEAN IT! HARDCORE FUCKING THRILL DOPE JOY RIDE SHIT.
THE PIANO PLAYS CONSTANTLY NOW. WE ALL PLAY TOGETHER. KEEP “FINDING YOUR NOTE” BUT SING “AROUND IT” AS IF IT WERE A SPINE, AND YOU’RE MOLDING FLESH ON IT, FLESH, HAIR, NAILS, MUSCLE, ORGANS, SKIN, FOOT, HAND, HEAD, FACE, YOUR VOICE DOES ALL THAT.
sing this very long song, with as much love as possible. we agree on how, slowly, one at a time, by the end of the song, we spread out in thin-red-line formation.
If you want to join Whistleblowers Ununite send an email to bgraeder@gmail.com with your address and receive a flute, instructions and – Sufie says – some “wav file extravaganza”.
Info: “Harness of Patience Epics ( H.O.P.E. )” was performed in Rundetårn August 23, 2019. Sufie Elmgreen is playing tonight at Christianshavns Beboerhus as part of the duo Drummesses.
Sofie Birch & Xenia Xamanek Lopez & KhalilH2OP live på ACUD MACHT NEU (14. november, 2019) – Livereportage af Nils Bloch-Sørensen
I midten af november måned havde det københavnske bookingbureau Proton kurateret en aften med tre danske elektroniske acts på det lille berlinske spillested Acud Macht Neu. Her spillede komponisterne Sofie Birch og Xenia Xamanek Lopez samt trioen KhalilH2OP radikalt forskellige, men på hver deres måde fremragende koncerter. Jeg var til stede og forsøgte at skrive en livereportage. Den gik i vasken. Jeg havde ikke kontrol over teksten, der blev ufokuseret, postulerende og som reportage mangelfuld i sine sanselige beskrivelser.
Jeg havde håbet, at reportagen kunne handle om de refleksioner, jeg havde under koncerterne, og som handlede mere om den eksperimenterende musikscene generelt end om aftenens konkrete koncerter. Men ak, nogle gange vil den slags refleksioner ikke vokse organisk frem i teksten, og jeg måtte derfor kort før målstregen kaste håndklædet i ringen. Således efterlades læseren med følgende lille tekst. En lille tekst, der må forstås som en formløs undren rettet i lige så høj grad mod mig selv og nærværende medie som mod nogen andre.
Jeg havde håbet på, at livereportagen kunne have handlet om ironien i, at man ikke kan tage til en eksperimenterende koncert uden at se mindst et Apple-logo skinne gennem røgen på scenens ophøjede pedestal. Avantgardekunstneren, denne modkulturens galionsfigur, genopstanden som en slags Apple-ambassadør med scenen som reklamesøjle.
Computeren er selvfølgelig en slags præmis for at frembringe elektronisk musik, men det er da interessant, at den del af kulturlivet, der har påtaget sig rollen at nedbryde barrierer og bestående strukturer, samtidig er både visuelt og værdimæssigt billboard for et af verdens ubetinget mest magtfulde (og problematiske) konglomerater. Den mest vellykkede brandingstrategi i nyere tid må siges at være Apples monopol på kreativ identitet (al Steve Jobs’ snak om revolution og generation har rodfæstet sig godt og grundigt i den kreative klasses underbevidsthed). Jeg spekulerer på, om Mark Zuckerberg kigger med gennem computerens kamera og griner en Låsby-Svendsensk latter.
Reportagen skulle have handlet om, at min tid og min tids kunst er klimaangst, dystopi og eskapisme. Mistro til konceptet fremtid. For hvilken fremtid er der at tro på i denne bundkorrupte verden? På en døende planet. Jeg ville have skrevet om ironien i, at vi trods denne grundindstilling insisterer på at producere og udbrede kunst med denne korrupte verdens værktøjer: iPads, Soundcloud, Spotify, Facebook. Om at vi derigennem er med til at understøtte de samme kapitalistiske strukturer, avantgarden historisk har positioneret sig antitetisk til. En hyklerisk gensidig afhængighed vi også gør os skyldige i at bidrage til her på P/A: Gæt hvilken computer jeg skriver på lige nu, og gæt hvem, der om et øjeblik laver et Instagram-opslag om denne artikel. Det er da ironisk, at vi lænker det kunstneriske udtryk for vores angst uigenkaldeligt til netop de strukturer, vi hævder at opponere mod.
Reportagen skulle have handlet om, at vi har ophøjet internettet til en slags ny metafysik og glemmer, at når det agerer kulturelt arkiv, så skrøbeliggør vi vores kultur på et lavpraktisk plan. Vi skrøbeliggør kunsten ved at lade den bo i maskinerne. Ved at lagre den i binære koder frem for i kollektiv erindring og socialiseringsprocesser. Vi glemmer, at denne nye metafysik i virkeligheden blot er en række meget materiebundne servere i den afsvedne californiske ørken. Én strømafbrydelse, én skovbrand, én oversvømmelse – og en hel generations minder og følelses-objekter, alt hvad vi har ladet vore drømme sno sig omkring, risikerer at forsvinde. Det nye årtusindes ikoner skyllet væk af Syndfloden 2.0 i mere eller mindre overført betydning.
Reportagen skulle også have handlet om, at dette lille hjørne af verden befolkes af en generation uden sange. En generation med flere lyde end nogen tidligere, men uden sange. Selv når vi nærmer os sange, er strukturerne forslåede og dekonstruerede. For vi er en generation af fragmentering. Af afviklingen af tid og sted som eksistentielle og sanselige præmisser. Børn af klimaangst og fossilerede ideologier. Af døde børn på græske kyster og åbenlys korruption. Jeg ville have skrevet om, at vores lyde og vansirede sange er bundet i internettets porøse kød, umulige at genskabe. Bundet i indspilningen, bundet i et-taller og nuller. Hvis Syndfloden virkelig kommer, vil ingen stemmer kunne mødes i sange fra den fortid, vi befinder os i nu. Ingen stemme vil have bevæget sig gennem deres forløb, ingen stemme vil kunne huske dem. Dertil er både deres produktion og reproduktion for uigennemskuelig.
Måske er det netop angsten for fraværet af en fremtid, der driver kunstproduktionen i dag. Stirrende ind i et sort hul er kunsten et formgivet suk, hvis ekko er en mere eller mindre bevidst erkendelse af, at der ingen stemmer vil være til at synge tilbage.
Passive/Aggressive lancerer i dag en nonprofit videoplatform for samtidsværker med musikrelateret indhold. Og hvilken bedre måde at fejre det på end ved at vise et af årets mest omtale audiovisuelle værker; ‘Solhverv’ af Fryd Frydendahl og Lars Greve.
Solhverv er et audiovisuelt portræt af Ringkøbing-Skjern Kommune, skabt i et halvåret fra sommer- til vintersolhverv, af kunstfotografen Fryd Frydendahl og musikeren Lars Greve. De to kunstnere har fulgt borgere på tværs af livssituationer og sogneskel og har i fællesskab skabt værket. Samspillet mellem kunstnerne og de lokale beboere har været afgørende, og materialet er indsamlet med hjælp fra skoleelever, buschauffører og ansatte på Borgerservice til marimbaorkestre, fjordfiskere og den lokale harmonikaklub. Det resulterede i flere video- og lydinstallationer, som bl.a. har været udstillet i regionen i løbet af 2017/18, og som i 2019 blev realiseret som kunstbog (sommersolhverv) og videoværk (vintersolhverv).
Musikken er komponeret af Lars Greve, optaget i samarbejde med John Fomsgaard og co-produceret af Aske Zidore. Det visuelle råmateriale er indsendt af borgerne i Ringkøbing-Skjern Kommune og optaget af Fryd Frydendahl, der også har produceret videoværket.
Tidligere på året anmeldte Nils Bloch-Sørensen ‘Solhverv’ her på siden. Han skrev: “Har man, som nærværende pen, fødderne solidt plantet i den kreative klasse, er der overvejende sandsynlighed for, at man på et tidspunkt er flygtet fra provinsen. En undsluppet straffefange, der for evigt vil kigge sig over skulderen for at se, om man stadig er eftersøgt. Men provinsen er også nærhed og fællesskab. Den er at blive set. Den er barndommens landskab, hvis kurver for altid vil være aftegnet på øjenlågets inderside. Hver en tankstation, hver en håndboldhal konstellationer på den indre stjernehimmel. Denne tvetydige uundslippelighed tages der kompetent favntag med i fotograf Fryd Frydendahl og musiker Lars Greves audiovisuelle værk.
På “Solhverv” formår Frydendahl og Greve i lyd og billeder at rumme kompleksiteterne og spidsfindighederne ved livet langt fra hovedstaden. Fællesskabets dynamikker, vejrets formgivende kraft og kedsomheden, der kan være drømmenes legeplads.” Læs hele anmeldelsen her.
Info: “Solhverv” udkom som bog/LP i juni måned på forlaget Roulette Russe. Videoudgaven af værket er frit tilgængeligt fra 12. december kl. 20.00 på Passive/Aggressives videoplatform med tilladelse fra forlaget.
Årets 10 mest værdsatte danske fuldlængdeudgivelser fra 2019 i vilkårlig rækkefølge – ifølge redaktionen på Passive/Aggressive
Erika de Casier: “Essentials” (Independent Jeep Music) Erika de Casiers debut, “Essentials”, er en troværdig og personlig dyrkelse af et poppet r’n’b-udtryk, som mange nok ville være tilbøjelige til at tilskrive en nu svunden tid. Men “Essentials” kan og bør dog ikke reduceres til en musikalsk stiløvelse, selvom den overordnet vækker klare associationer til en lyd, som Aaliyah (RIP) er en repræsentant for. Sangene og deres produktioner (som bl.a. Natal Zaks står bag) er nemlig meget mere end blot en retrospektiv forherligelse, men vidner også om en forståelse for, hvordan en fængende popsang kan skrues sammen; en kunst, der er alt andet end triviel, selvom det måske ikke er eksperimenterende eller fine art som sådan. (Alexander Julin Mortensen)
Anders Vestergaard: “Prime Float // Unitary Perfect” (Anyines) Den danske trommeslager Anders Vestergaards seneste soloudspil “Prime Float // Unitary Perfect”, er et svendestykke ud i komplekse, ceremonielle trommer. Der er en vidunderlig dualitet i oplevelsen af tid og puls gennem hele værket, og Vestergaards evne til at eksekvere kropsligt og organisk gør, at man konstant svæver mellem oplevelsen af det hurtige og det langsomme – uden at kunne sætte fingeren på, hvilke elementer der trigger hvilke tidsoplevelser. Det kreative fundament for udgivelsen er delvist Qigong – en fællesbetegnelse for kinesisk meditation/yoga – og den fysiske udgivelse er også akkompagneret af en røgelsespind, håndlavet af den koreanske kunstner Dambi Kim, som kan nydes undervejs. Musikken gør sig dog mindst lige så godt som hovedtelefonssoundtrack i det pulserende byliv eller endnu bedre live på et mørkt dansegulv. (Klaus Q. Hedegaard)
Sofie Birch “Planetes” (Seil Records) Lydkunstner og komponist Sofie Birch har med ”Planetes” skabt en indtagende og sanselig ambient-udgivelse fyldt med organiske og atmosfæriske lydlandskaber. En fornemmelse af at befinde sig i et drømmende landskab, i en mystisk og ukendt skov, hvor man hele tiden bevæger sig dybere og dybere ind og gør sig nye opdagelser, i takt med at det lydlige terræn lige så stille ændrer sig. I løbet af albummets seks numre skaber Sofie Birch et smukt lydligt univers, hvor de atmosfæriske lydflader og teksturer nænsomt og elegant hele tiden fører lytteren nye steder hen, og hvor der ikke bliver stillet andre krav end at lade sig fortabe i af de organiske lydlandskaber. (Ida Selvejer Faaborg)
Collider: “-><-” (Escho) While the influence of the shoegaze pioneers saturates Collider’s debut album, the walls of sound deployed on this record aren’t the main site of musical discovery for Collider that they are for someone like My Bloody Valentine’s Kevin Shields. Instead, as the band’s name would suggest, it is the collision of these elements with punk phrasing that’s so jerky it seems to shake off pretension, dissonant riffs reminiscent of Sonic Youth, and some kind of oddly ethereal mysticism. Collider sounds like a band who are trying to capture something that has largely disappeared: guitar music that can engender a sense of the possible without being bogged down in the self-importance of its own mission. “-><-” is a record that is rushing to show the world what it can do, and the excitement it carries with this intention is infectious. (Macon Holt)
Forte: “Intermissions” (Øen Rec.) Med Forte skaber aarhusianske Asger Bruun atmosfærisk og lunefuld house-musik, der bærer præg af en vis simplicitet og uimodståelig melodiøsitet. Hvert andet nummer er et interlude (heraf udgivelsens titel), hvilket skaber en række kærkomne ånderum for lytteren gennem udgivelsens spilletid, men også opfordrer til at høre albummet i sin helhed. Fortes musik er ikke just krævende – tværtimod – og det er imponerende, at han kan frembringe et så fløjlsblødt udtryk, uden at det bliver kedsommeligt. “Intermissions” byder på knap tre kvarters kærtegnende synth-melodier og vuggende baslinjer, der besidder den dobbelte evne at kunne mane selv det mest urolige sind til ro, samtidig med at musikken har en umiskendeligt dansabel appel. (Alexander Julin Mortensen)
G.E.K.: “Mahatma” (Aether Prod.) Efter mere end 10 års aktivt virke er G.E.K (Gud Er Kvinde) fortsat dybt forankret i den frie improvisation og udvidede brug af instrumentet. I mange år var duoens liveoptrædener kendt for deres eksplosive ‘blowouts’ og massive lydbillede, men på deres første egentlige fuldlængde-LP, “Mahatma”, er lydkilderne mangedoblet og inspirationerne ligeså. Ved hjælp af eksperimenter med rumlighed, luftighed og tidslighed samt et bredt udsnit af både akustiske instrumenter og synthesizere er Maria Bertel og Johs Lund på opdagelse i et tonesprog, der går på tværs af europæisk freejazz og transkontinental improvisationsmusik, minimalisme og chants.
Jonas Munk/Nicklas Sørensen: “Always Already Here” (El Paraiso Records) Jonas Munk og Nicklas Sørensen står stille. De er “Always Already Here”. De skal ikke nogen steder. De accepterer til enhver tid deres placering i tid og sted. De nævner selv Steve Reichs og Terry Rileys minimalisme og Brian Enos og Manuel Göttschings ambient og kosmische som inspiration, og man kan indvende, at det virker dovent at lave noget, der så tydeligt nikker til nogle 40-50-årige musikalske inspirationskilder. Men er det ikke lige så dovent at lave popmusik i tidens tone? Dér sætter man vel heller ikke noget på spil? Munk og Sørensen hylder nogle hoveder, der trods alt ikke er overeksponerede, og de fletter deres lyde sammen til deres eget udtryk. Desuden har vi behov for at blive mindet om de hyldede kunstneres pointer. Regneark og Nem-ID-registreringer er ikke saltvandet i vores krop, og alt kan ikke klares med corporate mindfulness. (Kim Elgaard Andersen)
LOL Beslutning: “Destina & Destine” (Mauds Records) Det efterhånden ikoniske rockband Synd og Skam har længe bevæget sig i grænselandet mellem konventionel musik og performancekunst, ofte under dæknavnet LOL Beslutning. Med udgivelsen af rockoperaen “Destina & Destine” synes metamorfosen fra kådt punkband til anerkendt performancegruppe at være fuldendt. Med Robert Ashley, Kanye West og Dean Blunt som åndsfæller og inspirationskilder følger pladen adskillige simultane spor og præsenterer os for de to karakterer Destina og Destine, ligesom en sag af kafkaske dimensioner om et mystisk dobbeltmord udfolder sig. Albummet fungerer både som en opera med et selvstændigt (om end lidt tåget) narrativ og som en slags metarefleksion/selvmytologisering over gruppens historie og praksis, hvilket blev tydeligt iscenesat i videoen til albummets første single, “Choices”, der i bedste pauseskærmsstil tager os gennem gruppens historie via medlemmernes egne fotos.
Spellcaster: “Inventory” (Visage) Holger Hartvig er trods sin unge alder allerede et velbeskrevet blad i de seneste 10 års danske musikhistorie. Hans solodebut under navnet Spellcaster er svær af genrebestemme. Både på albummets tekst- og på lydside bliver der eksperimenteret en del: Alt fra middelaldersynth og poesirecitation til minimalistiske guitar- og klaverfigurer og luftige trommer og flanerende synths. Hartvig dyrker på “Inventory” en forestilling om musikken som en form for folkloristisk praksis – og dermed musikeren som en druide, en profet, en bard: Én, der i sin samtid kan se noget, andre ikke kan, og som kan videreformidle denne viden til folket.Denne forestilling føres hele vejen til 2019, hvor druidens magi måske snarere kan tænkes som fortællerens, kunstnerens mulighed for at forholde sig kritisk, at belyse forhold i sin samtid. (Emil Grarup)
øjeRum: “Syv segl” (Obsolete Future) Ud af øjeRums ni (!) udgivelser i 2019 står “Syv segl” som den mest helstøbte. Udgivelsens syv numre er alle forholdsvist nyindspillede sammenlignet med mange af Paw Grabowskis andre udgivelser, som indeholder optagelser, der i nogle tilfælde rækker længere end 10 år tilbage. De skrøbelige og atmosfæriske numre på “Syv segl” er efterårs- og vintermusik, når den er bedst – ambient melankoli til gåturen, busturen eller til at stirre ud ad vinduet til. (Mathias Ruthner)
Redaktionens note: Denne årsliste over de mest værdsatte fuldlængdeudgivelser bringes i vilkårlig rækkefølge. Den i de kommende dage følgende årlige oddsize-liste omfatter EP’er og andre værkformater. Årslisten er ikke baseret på en kollektiv afstemning eller konsensus-afgørelse på redaktionen, da vi ikke er tilhængere af et mediesystem, hvor “flest stemmer” og “flest lyttere” er lig med “det mest værdsatte” eller “det bedste”. Der er p.t. omkring 15 skribenter og/eller redaktører tilknyttet Foreningen Passive/Aggressive.
Årets 10 mest værdsatte internationale albums fra 2019 i vilkårlig rækkefølge – ifølge redaktionen på Passive/Aggressive
Kali Malone: “The Sacrificial Code” (Ideal Recordings) På sin tredje fuldlængeudgivelse, “The Sacrificial Code”, arbejder amerikanske Kali Malone ud fra samme fascination af liturgiens sakrale kapacitet som sine kolleger fra det stockholmske pladeselskab XKatedral, Maria W. Horn og David Granström. Formålet med albummet, som jeg ser det, er dog snarere end at reproducere den kristne liturgi at udarbejde en egen sekulær version, som insisterer på nærværets intensitet som et fænomen, der ikke udelukkende er forbeholdt den institutionaliserede kirke, men ligeledes kan fremelskes kunstnerisk. Man kan måske endda tale om, at Malone gennem sine langstrakte, repetitive orgelsekvenser sigter mod en slags mystik med klangens, frem for religionens, ånd i centrum. Hvorom alting er, har denne unge orgelbetvinger frembragt et af mest fortrinlige bud på nyere kompositionsmusik, jeg har lyttet til i år. (Emil Grarup)
Brahja: “Brahja” (RR Gems) Brahja er en omskiftelig gruppe centreret om saxofonisten Devin Brahja Waldamn. Siden 2008 har de indspillet albums og spillet koncerter i forskellige udformninger og med forskellige udtryk. På årets selvbetitlede plade stryger de ubesværet fra kosmisk jazz til surf-lignende toner og videre ud i repetitive jazz-udforskninger a la The Necks. Alt det, uden at det på noget tidspunkt virker forceret eller rodet. Kæmpe album! (Mathias Ruthner)
Caterina Barbieri: “Ecstatic Computation” (Editions Mego) Den italienske komponist og producer træder væk fra den dvælende minimalisme, som hun omfavnede på sidste års udspil, “Born Again in the Voltage”, og tilbage mod et ofte højstemt og dramatisk udtryk, hvor det mest rammende eksempel er det 10 ½-minut lange åbningsnummer, “Fantas”. I pressematerialet bliver “Ecstatic Computation” beskrevet som et værk, hvor “(…) the fast permutation of patterns can create a state where time stands still whilst simultaneously being in motion”. Men i min oplevelse af værket er der intet, der står stille, heller ikke tiden. “Ecstatic Computation” slår mig snarere som et værk, der er fuldstændig dedikeret til at undersøge musik som bevægelse, en musik i konstant tilblivelse. (Alexander Julin Mortensen)
Jefre-Cantu Ledesma: “Tracing Back the Radiance” (Mexican Summer) Det (vistnok) 12. soloalbum på lige så mange år fra Jefre Cantu-Ledesma er forbløffende på adskillige planer. På sine foregående plader har han dyrket og forstærket shoegazerscenens mest flossede og forvrængede elementer, men på ”Tracing Back the Radiance” er der bare ro. Fuldstændig ro. Albumtitlen refererer til en koreansk zen-mester, og Cantu-Ledesma virker til at have komponeret efter nogle af de samme principper. De lange numre udfolder sig så langsomt, at eventuelle endemål fortoner sig. Også bidragene fra hver af de 11 musikere (bl.a. Mary Lattimore, John Also Bennett og David Moore fra Bing and Ruth), udviskes, så harper, fløjte, klaver, vibrafon, pedal steel-guitar og ordløse vokaler bliver nærmest umulige at skelne, når man lytter til det samlede hele. Det er fristende at beskrive ”Tracing Back the Radiance” som en klanglig terapihave, men det ville være at tilskrive musikken en formålsbestemthed, den ikke har. Den er bare og vil ikke noget. Som et åndedræt i zen. (Mikkel Arre)
Purple Mountains: “Purple Mountains” (Drag City) David Bermans far var en led skid i verden. Én, der satte penge over menneskeliv. Det var vigtigt for Berman at gøre op med. Det var meget vigtigt at tage afstand fra den far. Jeg synes, han efterlader et budskab om at gøre det godt. Det er store krav, men hvorfor ikke gøre det så godt som muligt med de forhåndenværende midler? ”In 1984 I was hospitalized for approaching perfection.” Det er ånden i hans kunst. Purple Mountains-pladen er temmelig konfronterende. Den harmonerer med den stil, han lagde for dagen denne sommer. Ikke mere pis. Ærligheden helt frem. Enormt inspirerende. Der var virkelig noget at komme efter i dette comeback. Som var det en tillagt taktik: at holde koncentrationen … uanset hvad. Men det var også perfektionisten igen, og vi ved, hvor den havnede i 1984. Banen er kridtet op. (Jonas Okholm)
Loraine James: “For You & I” (Hyperdub) De seneste år virker den elektroniske scenes politiske dimension til at være blevet mere udtalt; musikken er simpelthen blevet mere engageret. Væk fad, anonym techno og ind med en elektronisk musik, der ikke frygter at demonstrere bare en lille smule personlighed. Loraine James’ debutalbum er ikke blot politisk, fordi det beskæftiger sig med queer-identitet som tema, men ligeledes fordi den inkarnerer denne queerness (hér forstået som ubestemmelighed) gennem sine mange inspirationskilder fra Londons glasmosaik af musikalske genrer. Hvilket netop er det, der gør udgivelsen til et stimulerende bekendtskab på et ikke bare identitetspolitisk plan, men rent æstetisk. (Emil Grarup)
Nkisi: “7 Directions” (UIQ) Nkisis debutalbum er definerende for lyden af eksperimenterende techno anno 2019. Født i Den Demokratiske Republik Congo, opvokset i Belgien og nu bosat i London, navigerer Nkisi i højt tempo og med ekstrem præcision gennem et lydlandskab, der er gennemsyret af hjernevridende congolesiske polyrytmer, fragmenter af skarpe kanter fra gabber og trance-klingende synths. Således passer albummet perfekt ind i Lee Gambles UIQ’s arkiv af udgivelser, som netop har den eksperimenterende klubmusik som sit varemærke. Nkisi bygger bl.a sin musik på sine akademiske studier af psykoakustik og Bantu-religionens kosmologi, hvilket medvirker til at skabe et helstøbt album fra mindste detalje til den større sammenhæng. (Sandra Borch)
Ustad Saami: “God Is Not a Terrorist” (Glitterbeat) Dronende harmonium-toner, afmålte tabla-rytmer og messende, flerstemmige vokaler, der vibrerer insisterende i forgrunden. Dét er Ustad Saamis version af khyal, den klassiske sangstil på det indiske subkontinent. Den 75-årige mester og to disciple blev indspillet af Ian Brennan i Pakistan, hvor Saami bor; det samme land, hvor Osama bin Laden befandt sig inden sin død, deraf titlen på albummet, “God Is Not a Terrorist”. Saami synger på fem forskellige sprog, bl.a. den tidlige form af sanskrit, vedisk, og hans sang gør et ærefrygtindgydende indtryk med sin let hæse, raspende vokal, der med tydelig intonation falder og stiger i lange ekskursioner over harmoniummets hulrum. Kontakten med det hinsidige er til at høre for selv hedninge. (Kim Elgaard Andersen)
Félicia Atkinson: “The Flower and the Vessel” (Shelter Press) Multikunstneren Félicia Atkinson (som også er medejer af pladeselskabet/forlaget Shelter Press) har med “The Flower and the Vessel” skabt et enormt kontrastfyldt værk. En smuk melange af det hyperdigitaliserede og naturalistiske – ofte uden at man som lytter kan bestemme, hvor skellet går. Og netop denne type sameksistens udgør albummets spændingsfelt, for der er ikke tale modstridende elementer, men om en sælsom sammensmeltning af modpoler i én lyd: Det er stort og ekspansivt, men også intimt og nærværende, det er støjende, men også som en vuggevise, det er køligt digitalt, men samtidigt selvgroet organisk. Det er et smukt dvælende værk centreret omkring Atkinsons stemme. En ekstremt intim stemme, der både lyrisk og musikalsk har karakter af at være strøtanker nedfældet som voice memos i en sen nattetime. En hvisken, der ikke er narrativ, men en form for menneskeligt anker, hvis balancepunktet konstant forskubbes og forstyrres, gennem digital forvrængning, skift mellem engelsk og fransk eller uendelige ekkoer. (Nils Bloch-Sørensen)
Blood Incantation: “Hidden History of the Human Race” (Dark Descent/Century Media) Ovenpå et moderne mesterværk som “Starspawn” har Blood Incantation haft noget at leve op til, og det gør de, uden dog at overgå forgængeren. Hvor “Starspawn” tog os på en ultimativ, indre kosmisk rejse i et progressivt dødsmetalunivers, sender “Hidden History…” lytteren på en tilsvarende, blot interplanetarisk, langfart i tid og rum. Rejsen begynder med en mastodont af et oldschool-inspireret nummer, der er Morbid Angel og Nile værdigt. Kompleksiteten øges på nummer to, der forbereder os til den store rejse, der foretages på perlen “Inner Paths (to Outer Space)”. Sidste nummer fortæller i storladen, progressiv dødsmetalstil et 18 minutter langt epos om mennesket, der lander på toppen af Giza-pyramiden i Egypten, men hvornår? Civilisationen udvikles, og menneskets tids- og rumrejser er slut, død med kaptajnen. Er tiden relativ? Vil vi igen komme til at rejse i tid og rum? (Rasmus Søndergård Madsen)
Redaktionens note – Denne årsliste over de mest værdsatte internationale, fuldlængde udgivelser bringes i vilkårlig rækkefølge. Årslisten er ikke baseret på en kollektiv afstemning eller konsensus-afgørelse på redaktionen, da vi ikke er tilhængere af et mediesystem, hvor “flest stemmer” og “flest lyttere” er lig med “det mest værdsatte” eller “det bedste”. Der er p.t. omkring 15 skribenter og/eller redaktører tilknyttet Foreningen Passive/Aggressive.
Årets mest værdsatte danske oddsize-udgivelser fra 2019 i vilkårlig rækkefølge – ifølge redaktionen på Passive/Aggressive.
oqbqbo: “Untitled” (Posh Isolation) Nastya Sipulina er russer, men har boet i Tokyo og har nu base i København – og det er en afgørende biografisk detalje om hendes anden EP. For de ordløse stemmer i numrene indkapsler voldsomt vellykket fornemmelsen af at være fanget i en by uden at kunne sproget. På godt og ondt. Det er følelsen af at stå udenfor og kigge ind. En gennemgående fornemmelse af, at lyden kommer til os gennem vægge. Man er ikke med til festen, men klæber sig til ydersiden af den. Som passerede man ensomt byens barer og fra gaden observerede de varme kroppes smil og stumme samtaler. Men samtidig illustrerer “Untitled” mødet med det fremmede og den genklang og forbindelse, der kan gro der. Hvordan følelser kan kommunikeres (måske mere rent) uden om konventionelt sprog. Hvordan relationer ikke nødvendigvis er betinget af stabil kommunikation, men måske bedst rummes i det utydelige, i det tvetydige. I tågen. (Nils Bloch-Sørensen)
Code Walk: “Distance” (Peder Mannerfelt Produktion) “Udtalelse fra eksamenskomitéen:
Hermed attesteres det, at Code Walk (J. Nørbæk og S. Gregersen) har bestået den afsluttende eksamen ved Den Københavnske Technoskole med udmærkelse. Eksamensprojektet “Distance” viser, at de studerende har gjort betydelige fremskridt i løbet af uddannelsen. De seks numre på “Distance” demonstrerer således, at duoen har sat sig godt ind i forskellige dele af pensum – f.eks. både kapitlerne om intenst pumpende 4/4-techno og dem, der handler om the hardcore continuum – og mestrer det meste. En mørk undertone er et fællestræk for de seks numre, der ellers varierer en del, både når det gælder tempo og graden af dansegulvsfokus. Sammenlignet med mange andre af skolens dimittender fra de seneste år satser Code Walk markant mindre på melodiske hooks og prioriterer i stedet hårdtslående beats og baslinjer. Og så længe de to producere bruger deres lærdom til at skabe numre, der er lige så stærke som det breakbeat-funderede “Touch”, er vi absolut trygge ved at sende dem videre ud i verden.” (Mikkel Arre)
Yuri: “Menat” (Janushoved) Yuris tredje udgivelse, “Menat”, kan bedst opsummeres som en slags new age industrial. En konstant flakken mellem det maskinelt voldsomme og det blidt transcenderende, der også er afspejlet i pladens væld af referencer til ikke-vestlige religioner og steder. Mytiske og religiøse referencer, som introducerer et skær af diskurs i de ellers abstrakte landskaber og kobler en übervestlig elektronisk musiktradition med ikke-vestlig mysticisme. Den digitale trance parret med den rituelle. Fælles for disse løse referencer er, at de alle taler om kvindelig styrke og om det feminines centrale plads i oldtidens religioner. En plads, det vestlige hegemoni har ignoreret, undertrykt og bevidst udeladt fra sin historieskrivning. Det er, som om disse henvisninger omdanner pladens landskaber til en slags grobund for nye fiktioner og nye virkeligheder – et rum, hvori der kan drømmes nye ordener frem. (Nils Bloch)
Gate Hand: “Songs to the Keeper” (Sensorisk Verden) Under navnet Gate Hand smeder Francesca Buratelli og Claus Haxholm en mærkværdig og dragende musik, der oftest er bundet op omkring deres vokaler – enten sammenblandet eller hver for sig. Duoen dyrker pludselige skift i stemming og tempo i de ellers nærmest søvndyssende langsommelige og repetitive passager, hvilket – som hovedregel – er udgivelsens store force. Ofte, når musikken er mest sumpet og søvndyssende, kommer de kompositionelle skift med et mindre chok til følge; en kærkommen påmindelse om at lytte tilstedeværende, opmærksomt og tålmodigt. (Alexander Julin Mortensen)
Julie Bo: “Julie Bo – Collected Songs 2007-2009” (Forlaget Kornmod) Det nystartede selskab Forlaget Kornmods genudgivelse af Julie Bos stygt oversete album fra 2009 (oprindeligt udgivet af Ark Tarp) er en lille gave til og et usædvanligt indspark i det danske musiklandskab anno 2019. Det er noget så sjældent som en samling skitseagtige akustiske perler fyldt med aftryk af 00’ernes freak folk-bølge. Slørede glimt af fortælling, der forskyder sig i tåger af baggrundsstøj og introspektion. Som et barn, tabt i fantasiens rige; ikke en alvorlig voksen, der vil skabe et stort værk. En iturevet skitse til et maleri, der aldrig blev til noget. Endda med en albumtitel, der mest af alt lyder som en hengemt mappe på nogens desktop – som var det hele tiden planen, at pladen skulle udgives med 10 års forsinkelse. Al denne fragmentering er bundet sammen af en mesterlig melodibeherskelse, der ikke har meget plads i 2019’s eksperimenterende musiklandskab af dekonstruerede elektroniske beats og punkede anti-melodier. Det er ret interessant, at et så simpelt naturalistisk lydbillede forekommer en smule radikalt i ører tilvænnet det kontemporære musikparadigme. En optimisme og en ligefrem skønhed, der bærer noget tidsløst. (Nils Bloch)
Ydegirl: “Notes19” (Escho) Andrea Novel har gennem sit Ydegirl-alias stille og roligt forandret den danske r’n’b-scene. På EP’en “Notes19” præsenterer hun en slags barok-r’n’b, som iscenesættes gennem kammermusikalsk orkestrering med strygere og blæsere, hvilket skaber et radikalt andet og mere eksperimenterende udtryk end den traditionelle soul- og funk-prægede r’n’b-musik. Hun optegner på “Notes19” et selvportræt, hvis ømhed og inderlighed ikke forekommer klæbrig og patetisk, men stærk, åbenhjertig og egensindig. (Emil Grarup)
Vanessa Amara: “NTS 05.09.19” (NTS Radio) Vanessa Amara gæstede den London-baserede radiostation NTS i september med et overlegent mix, der indeholder en times ikke-udgivet materiale af den danske duo. Mixet bliver kun suppleret af irske Larla Ó Lionáirds vokal, som komplementerer lyden af Vanessa Amaras særlige uendelighed. Er man fan af tidligere udgivelser fra gruppen, kan man forvente samme tidsløse vakuum med vægtløse eksperimenter med organ, piano, violin, guitar. Om muligt er lyden på dette mix endnu mere forlænget og forvrænget end nogensinde. (Sandra S. Borch)
Kasper Marott: “Forever Mix” (Kulør) På Forever Mix viser Kasper Marott en lidt blødere og drømmende side, end man hørte på sidste års (også fremragende) “Keflavik EP”. Især a-sidens “Drømmen om Ø” giver sig god tid til at bygge op til et forløsende klimaks langt inde i det over 14 minutter lange nummer. B-sidens “Sky Dreams” lægger sig derimod tættere op af den københavnerlyd, der blev introduceret på sidste års Kulør-compilation, men til sammen viser de Marotts spændvidde. (Mathias Ruthner)
My Beautiful Decay 1973: “Bloom” (Cosmopol Music Group) Komponist og billedkunstner Carsten Bo Eriksen har under navnet My Beautiful Decay 1973 i år begået den flotte EP “Bloom”. Seks numre med neoklassicistisk ambientmusik, der smukt besynger forgængelighedens uundgåelighed, fastholdt i en elegisk dvælende stemning. EP’en består en række fortolkninger af den danske guldaldermaler J. Th. Lundbyes værker, men “Bloom” kan så fint stå på egne ben. Som titlen antyder regerer konceptet forgængelighed kompositionernes indre dynamik. Hvert enkelt nummer på EP’en føles som en gentagelse af bevægelsen fra opblomstring til hendøen. En bitter eksistentiel erkendelse: Alt liv, al opblomstring, er retningsløs, eksisterer blot for at visne og dø uden forløsning. Intet crescendo, intet drama, blot en skrøbelig afblomstring. (Nils Bloch)
Astrid Sonne: “Cliodynamics” (Escho) På “Cliodynamics” synes Astrid Sonne i høj grad at fortsætte ud af de samme spor som på sin debut, “Human Lines”. Hendes musikalske udtryk veksler mellem maskinel elektronik og et mere menneskeligt og orkestralt lydbillede. Man kunne indvende, at denne splittelse mellem minimalistiske og elektroniske kompositioner på den ene side og et mere klassisk-orienteret udtryk på den anden, ville resultere i et stilistisk inkonsistent helhedsudtryk. Men tværtimod formår Sonne på forunderlig vis at skabe variationer over den samme form for grundstemning ad begge veje. Ingen af hendes kompositioner fremstår som afstikkere fra den samlede sum. I stedet føles hendes EP som en rig og divers oplevelse, hvor der netop er noget helt særegent at komme efter i hvert enkelt nummer – frem for at udgivelsen blot var én stiløvelse udi et sæt af dogmer eller velafgrænsede eksperimenter. (Alexander Julin Mortensen)
Soho Rezanejad: “Torino” (Silicone Records) “Torino” er et ambitiøst audiovisuelt samarbejde mellem Soho Rezanejad og instruktør Kamil Dossar.Seks numre med en 30 minutter lang tilhørende video. En sælsom rejse gennem et mytologisk og dog intimt landskab. Længsel mod fortiden løber som et centralt motiv gennem værket. Nostalgiens markører og erindringens dynamikker. Stilhed, der fyldes af båndstøj, synthezisernes nostalgiske 80’er-fornemmelse, Hi8-kameraets udviskede univers. Mindelser om VHS-bånd, erindringens visuelle udtryk. Det er som at se på selve handlingen at mindes. Længslen manifesterer sig også i værkets endeløse række af spirituelle henvisninger: engle, elementerne, kirkerum, labyrinter og okkult litteratur. Det høres i musikkens svagt new age-klingende undertoner. Pejlemærker i marsklandet mellem det håndgribelige og det uhåndgribelige. (Nils Bloch)
Lunden: “Lunden” (Abstract Tits) Helt tilbage i 80’erne begyndte japanske Ruins at eksperimentere med, hvor meget lyd man kan klemme ud af kun bas/guitar og trommer. I 00’erne fulgte andre bands efter så som Lightning Bolt og Pink & Brown. Senere kom danske Fossils til. Der var også en masse andre powerduoer i 00’erne, men de var alle interesserede i at skrive sange, mens bands, der er fulgt i Ruins’ spor, er interesseret i at skabe kaos. På mange måder lægger Emil Palme og Lasse Bækby Buchs duo, Lunden, sig i denne tradition, men de vil også finde balancen. De søger lavmæltheden såvel som støjen. EP’en bevæger sig gennem no wavede skronk-riffs, tudende vokal, hylende guitar og løbende trommer i mange retninger. Højdepunktet er “Ultraprisme”, der fordeler et væld af rytmiske lyde, glassede, kantslagede, undervandsagtige, der myldrer frem som insekterne under David Lynchs pæne forstadshaver, mere og mere hektisk arbejdende, krybende, vrimlende. Og så! Implosion. (Kim Elgaard Andersen)
Fryd Frydendahl & Lars Greve: “Solhverv” (Roulette Russe) Der er noget ved provinsen, der drager os. Som et åbent sår, vi ikke kan lade være med at stirre på. Incest-sager, vækkelsesprædikanter og rådden banan. De flade landskabers uendelighed. Men provinsen er også nærhed og fællesskab. Den er at blive set. Denne tvetydighed tages der kompetent favntag med i fotograf Fryd Frydendahl og musiker Lars Greves audio-visuelle værk “Solhverv”, der er en kunstnerisk bearbejdning af deres fælles hjemstavn, den vestjyske kommune Ringkøbing-Skjern, og som strækker sig over både fotografi, video og musik. En simultan kærlighedserklæring og kritisk undersøgelse af landskabets, lokalhistoriens og foreningslivets indvirkning på mennesker. Særligt fællesskab står som værkets ubestridte hovedtema, både på indholdssiden og i forhold til dets tilblivelse. Frydendahl har indhentet visuelt materiale fra lokalbefolkningen, mens Greve har ladet sine kompositioner opføre af eller i samarbejde med lokale grupper. Fællesskabet er dog ikke en entydigt positiv størrelse på “Solhverv”, men beskrives snarere som en simultan inkluderings- og ekskluderingsmekanisme. Nogle gange gælder fællesskabets favntag kun, så længe man retter ind efter de mere eller mindre uskrevne regler. (Nils Bloch)
Redaktionens note – Denne årsliste over udvalgte danske oddsize-udgivelser og compilations fra 2019 bringes i vilkårlig rækkefølge. Årslisten er ikke baseret på en kollektiv afstemning eller konsensus-afgørelse på redaktionen, men er et udvalg af de mest værdsatte eller mest interessante udgivelser hos de enkelte skribenter. Der er pt. omkring 15 skribenter og/eller redaktører tilknyttet Foreningen Passive/Aggressive. Da vi i sagens natur ikke har hørt alle oddsize-udgivelser fra 2019, så er det ikke et repræsentativt udsnit, men i stedet kan listen læses som en række nedslag og anbefalinger.
Damon Locks Black Monument Ensemble – foto: Daris Jasper
Af Mikkel A. Kongstad
Måske er kvantitet i sig selv i en pointe. Et vægtigt argument i form af en nærmest utømmelig ressource af overraskende og måske ligefrem overrumplende musikalske oplevelser, der står stærkt i hukommelsen, når 2019 som musikalsk år skal opsummeres? Det kan i al fald nemt føles sådan, når jeg her prøver at skabe en form for overblik i det hele og finde røde tråde, der er med til at forme fortællingen om 2019 i musik.
Og der er mange fortællinger fra 2019, der står stærkt og er absolut nødvendige at få med. Ikke alle kan nå at blive klemt ind i denne årsrevy, men det er i sig selv også en væsentlig pointe med denne liste på 250 centrale udgivelser fra 2019: Musikkens mange fortællinger er også et subjektivt anliggende, og deres vigtighed vil i stor grad afhænge af den enkelte lytter. Derfor er kvantitet i sig selv en vægtig pointe. Det handler om at indfange og opsamle, men ikke styre fortællingen, da denne også er til forhandling med såvel den enkelte lytter som med den samtid, den repræsenterer – og ikke mindst den fremtid, den vil blive mødt med, når man om mange år fra nu vil se tilbage på, hvad der tegnede 2019.
Playliste med numre fra (de fleste af) pladerne på top 125
Den nye musikverden vs. den gamle Efterhånden som streamingtjenester og platforme som Bandcamp og Soundcloud bliver mere og mere styrende for musikkens verden med alt, hvad det indebærer af nye distributionsmuligheder og indtjeningsudfordringer, former sig en ny virkelighed og nye muligheder for musikken. Samtidig har lettere adgang til produktions- og distributionsmidlerne efterhånden skabt grobund for en ny, mere uhæmmet og målrettet kunstnerisk udfoldelse, der samtidig afspejler internet- og globaliseringskulturens frie vandring af idéer og derigennem genveje til andre, geografisk fjernere kulturer. Det betyder umiddelbart to ting, hvilket også spejler sig i denne årsliste.
For det første er der formet nye musikalske ruteplaner, der sikrer at kunstnere som danske Yngel lettere kan tage til Indonesien og lave en plade med indonesiske Teguh Permana i et mere mobilt og tilgængeligt lydstudie, ligesom hollandske Young Marco eller skotske Sunny Balm har kunnet lave plader, der så at sige genskaber kontakten til/med deres fædrende kulturelle ophav i Indonesien og Vestaustralien.
Og så er der skabt en ny frihed, om man vil. En frihed i musikken, der betegnes ved, at vi ser en opblomstring af musik, der ikke er dikteret af markedets krav og forventninger til musikken som noget, der skabes efter en genkendelig skabelon, men i stedet giver kunstnere mulighed for at undersøge nyt musikalsk terræn uden hensyntagen til de gammeldags indlejrede økonomiske incitamenter og industriens forventning om musikken som et produkt, der let kan afsættes til et specifikt marked. Det betyder helt konkret, at kunstnere i større grad er fritaget for forventningen om, at musikken er en primær indtjeningskilde, men langt mere er en kunstnerisk hobby eller et frit produkt, der bliver skabt uden hensyntagen til kapitalismens indgroede incitamentstruktur og i stedet udfoldes og formes frit efter kunstnerens egne ønsker og ambitioner. Ny fri kunst, hvis man skal være lidt højstemt.
Samtidig giver den nye virkelighed med streamingtjenester og distributions- og formidlingsplatforme som Bandcamp helt nye muligheder for, at musikken kan finde sit publikum uden om de gamle ronkedorer i musikformidlingsbranchen, hvis opdrag det tilsyneladende fortsat er at reproducere den gamle, elitære struktur – og hvis primære formål er at fastholde musikken som et underligt miskmask af et let afsætteligt, publikumsoptimeret masseprodukt.
Nå, men hvis nu den dominerende formidling af musik flugtede med den nye virkelighed, ville man om 2019 kunne sige, at året især har været kendetegnende ved denne nye frihed, hvori musikken er sat fri som aldrig før, og kunstnere mere end nogensinde har omfavnet de nye potentialer for frie musikalsk nysgerrige undersøgelser, globale internet-faciliterede alliancer og politisk aktivisme.
Aktivisme, fortidskontakt og global nysgerrighed Ét af de pladeselskaber, som står allertydeligst i denne fortælling, er det Chicago-baserede International Anthem, der med et bredt fokus på jazz og aktivisme har leveret nogle af de mest centrale udgivelser i år. International Anthem har med et firkløver af uafrystelige udgivelser fra Damon Locks Black Monument Ensemble, Angel Bat Dawid, Jaimie Branch og Resavoir præsenteret verden for en revitalisering af den politisk-spirituelle jazz fra 1970’erne og samtidig vist, hvordan denne ikke bare er et forvirret nostalgitrip ansporet af spiritual-jazzens genopblomstring, men en vægtig musikalsk rød tråd, der løber gennem historien via jazz, aktivisme og hiphop (og samplekultur), og som på ingen måder er færdig med at være både aktuel og et inspirationsværktøj til at tænke i nye kreative, kompositoriske baner.
Derfor lander Damon Locks Black Monument Ensemble også på pladsen som årets vigtigste (og “bedste”) udgivelse, da den ikke bare en jazz-aktivistisk gave til 2019, men også repræsenterer en stærk musikalsk mikro-innovation, der sker i naturlig forlængelse af og kontakt med dén jazz- og hiphop-kultur, den søger at revitalisere. I en forunderligt naturlig parring af 808-trommemaskiner, jazz, aktivisme og sangskrivning baseret på sampling af borgerrettighedsslagsange skaber Damon Locks Black Monument Ensemble et særdeles relevant bud på politisk-spirituel aktivisme og musikalsk nysgerrighed født ud af en fornyet kontakt med den nærmeste fortid på “Where Future Unfolds”, der står som 2019’s vægtigste udgivelse.
Resavoirs album af samme navn er en anden af International Anthems mest bemærkelsesværdige udgivelser fra i år. Noget så uhipt og ubesværligt som tidløs jazz, der bobler over med varme vibrationer og uopslidelige melodier. Det er på én gang et nik til de progressive, elektriske og elektroniske sider af jazz-fusion, men er samtidig svøbt i en hinde af ubestemmelig nostalgi, hvor mindet om jazzen som et varmt masserende fællesskabs- og feel-good-apparat synes at være ledestjerne.
Et andet helt centralt selskab i 2019 er Glitterbeat Records, der med uafrystelige udgivelser fra bl.a. Ustad Saami, Aziza Brahimi, 75 Dollar Bill, Park Jiha, Altin Gün og Sírom for alvor fik bevidst væsentligheden af deres globale profil dedikeret til at formidle musik, der transcenderer kulturelle fordomme og samtidig skyder et uopretteligt hul i den tåbeligt ignorante idé om verdensmusik som én genre. Globale teksturer og lokale traditioner samles på unik vis i hver og én udgivelse med Glitterbeat-logoet plastret på, og 2019 må betegnes som selskabets stærkeste år hidtil.
Den 75-årige pakistaner, Ustad Saami, skabte med “God Is Not a Terrorist” et både sekulært og politisk modsvar til ekstremismen, men gav samtidig plads til åndelige nuanceringer, der sjældent betegner den politisk kidnappede debat om globalisering, religion og lokale traditioner. Aziza Brahimi, der er opvokset i Vestsaharas Saharawi-flygtningelejr, gav med “Sahiri” stemme til dét Saharawi-folk hun kæmper for at repræsentere på et globalt marked, og tilbød samtidig nye musikalsk nysgerrige veje til at fremhæve det historiske, globale fællesskab, der er mellem det afrikanske moderkontinent, Europa og Sydamerika. I sig selv et nødvendigt budskab i en stadigt nationalt orienteret politisk verden styret af historieløs fremmedhad og globaliseringsangst. Samme tendens synes at gå igen i tilfældet med Kefaya And Elaha Soroors “Songs of Our Mothers”, der udkom på noget så uventet som et klassisk indierock-selskab som Bella Union. Hvilket må betragtes som vidnesbyrd om, at den globale musikkultur er ved at være så central og uundgåelig, at den nu også er ved at vinde indpas på selv de mere traditionelle, genretypiske pladeselskaber.
De slovenske folk-avantgardister Sírom viste med den poetisk betitlede “A Universe That Roasts Blossoms for a Horse”, at de slet ikke er færdige med at kortlægge nye genretranscenderende muligheder i spændingsfeltet mellem lokal folklore, amerikansk minimalisme og avantgarde. Samme intention kan spores i så forskellige udgivelser som koreanske Park Jihas “Philos” og amerikanske 75 Dollar Bills “I Was Real”, der på hver sin facon lykkedes med at gøre deres andet album til en fornem videreudvikling af et unikt musikalsk formsprog.
Nye åndelige fællesskaber og musikalske innovationer Et andet afgørende sted, hvor musikken i 2019 udmærker sig, er inden for den mere æteriske og rituelle side, hvor et væld af udgivelser på hver sin vis synes at dyrke og søge efter nye åndelige fællesskaber med musikken som et fællesskabsskabende ritual. Hos Kali Malone blev den kristne kirkes orgelmusik konverteret til sekulær, dronende meditationsmusik på “The Sacrificial Code”. Sunny Balm reflekterede over den vestlige kolonialismes ødelæggelse af det vestaustralske Whadjuk-folks habitater gennem en både nærværende, reflekterende og eksperimenterende elektronisk troposfære. Græsk-armenske Kolida Babo forbandt græsk jazz, armensk folklore og abstrakt elektronisk musik til en slags meditativ trans-europæisk kosmische jazz-musik, mens danske kunstnere som Anders Vestergaard og Sofie Birch på hver sin vis gav fornemme bud på, hvordan musikken kan dyrkes som et lokalt forankret ritual med et internationalt perspektiv og publikum. Ligeledes må Teguh Permana & Yngels skrøbeligt meditative og bevidsthedsudvidende impro-møder mellem dansk avantgarde og indonesisk musikkultur her fremhæves som et af årets mest personlige musikalske produkter.
Norsk-svenske Anton Eger, den congolesisk-belgiske producer Nkisi og polske Innercity Ensemble (nu med vokal) gav uforlignelige eksempler på genreudvidende udskejelser, der med sikkerhed vil stå som sikre navigationspunkter langt ude i fremtiden, når folk søger tilbage for at finde en komplet egenrådig kosmologi at hente ny inspiration fra. Trommevirtuos Anton Eger tog Frank Zappas rastløse, labyrintiske kompositionstænkning, blandede den med Joe Zawinuls synth-jazz-eksplorationer og overførte den til en slags live-electronica-jazzet kontekst. Derigennem åbenbarede han muligheden for at genstarte den musikalske legesyge som andet end et fy-ord.
Et andet sted viste Nkisi nye potentialer for at arbejde i spændingsfeltet mellem gabber-beats og pan-afrikanske rytmer i søgen efter en slags ny beat-kosmologi, imens polske Innercity Ensemble med succes lod Jakub Ziolek arbejde videre med studiet som en ekstra musiker, og bl.a. plottede vokaler (og andre dubs) ind i post-produktionen på “IV”, der dermed fik vist nye, drømmende indie-prog-elementer af gruppens i forvejen sirligt blomstrende og genrefrie impro-musik/meditations-etno-jazz-minimalisme.
En anden tendens er mængden af vellykkede videreudviklinger på velkendte genrer og mere genkendelige, eller lettere håndtérbare, musikalske udtryk. I denne kategori finder vi Laura Cannells fortættede og folkinspirerede violin-loop-kompositioner og Hania Ranis minimalistiske klavermusik, der begge nok virker som viderebearbejdning af dyderne Steve Reich eller Philip Glass, men alligevel fremstår som komplet selvstændige og overbevisende takes på en fornyet og særdeles fængende tænkning af såvel amerikansk som europæisk minimalisme.
Andre steder på listen finder vi nye friske bud på spiritual jazz anno 2019, hvor den primære inspiration skal findes i det musikalske udtryk snarere end i den politisk-spirituelle dimension fra 70’er-jazzen. På Matthew Halsalls “Oneness” finder vi proto-materialet til hans Gondwana-orkester og den folk-fusion-opvarmede, organiske take på den spirituelle jazz, vi senere skulle møde på gruppens udgivelser. Disse tidlige optegnelser og eksplorative sessions er nu udsendt som en slags krølle på halen på Gondwanaorkestret, som samtidig er sendt midlertidigt på pension, for at Halsall kan genopfinde sig selv på ny. Hos både amerikanske Brahja og østrigske Muriel Grossmann ser vi ligeledes spiritual-jazzen som et musikalsk gangbart produkt i 2019, alene i kraft af de to kunstneres respektive, inspirerede bud på, hvordan små nytænkninger og musikalske koblinger kan løfte udtrykket ind i en ny tid, hvad enten det er greb hentet fra no-wave og surf-musik, eller inspirationen er hentet fra nætter på Ibiza.
Playliste med numre fra rundt regnet alle plader på placeringerne 126-250
De seneste års bevægelser er blevet til én samlet strøm 2019 er på mange måder unikt år. Alene i kraft af den overvældende mængde af bemærkelsesværdige plader, men også i form af en række signifikante strømninger på tværs af det musikalske verdenskort, der udgør en ny tendens, som vi har set eksempler på de seneste par år, men som i år stod i fuldt flor og samlede disse bevægelser i nærmest en fælles – politisk – strøm.
Mest markant er genfødslen af den politiske, aktivistiske musik; de genrenedbrydende, globale alliancer, som viser multikulturens røde tråd mellem nutid, fortid og fremtid; samt opblomstringen af ny fri, ikke-økonomisk styret lyst til at udforske musikkens potentialer uden om skabeloner skabt for at imødekomme markedets forventninger om genkendelighed. Alle tre eksempler kan ses som et udtryk for en ny politisk motiveret tilgang til dét at skabe musik i 2019. Ikke nødvendigvis som et ideologisk fænomen, men nok snarere som en naturlig og selvfølgelig konsekvens af kapitalismen, globaliseringen og internetkulturen: Vi rykker nærmere sammen, i nye fællesskaber og forsøger at finde tilbage til de kulturelle og historiske forbindelser, vi altid har haft, for bedre at kunne formulere et nutidigt modsvar til fremmedhadet, nationalismen og de store politiske og globale krisers fremmedgørende effekter. Samtidig giver manglen på indtjeningsmuligheder for den ikke-kommercielle musik helt nye muligheder for at bevæge sig videre og længere ud i dristige kompositionstænkninger og nysgerrige, umulige alliancer på tværs af genrer og nationale skel.
Årets plader
Damon Locks Black Monument Ensemble: “Where the Future Unfolds” (International Anthem)
Ustad Saami: “God Is Not a Terrorist” (Glitterbeat)
Anton Eger: “Æ” (Edition Records Ltd.)
Kali Malone: “The Sacrificial Code” (iDEAL Recordings)
V/A: “Pacific Breeze: Japanese City Pop, AOR & Boogie 1976-1986” (Light in the Attic)
Info: Mikkel A. Kongstad er skribent på bloggen Dagens Album og Det Glemte Guld her på Passive/Aggressive. Han er desuden medlem af Odense Kommunes musikudvalg og PR-ansvarlig på Teater Momentum.
For at give lidt perspektiv på årslisterne har vi bedt et ekspertpanel bestående af komponister, lyddesignere og tidligere skribenter med ekspertise på bestemte områder om at komme med deres bud på årets mest interessante udgivelser.
Xenia Xamanek Lopez, komponist
Chuquimamani-Condori: “Quirquincho medicine” – køb albummet og støt American Indian Movement local chapter (aimsocal.org) (album) Klein: “Lifetime” (album) Triad God: “Triad” (album) Mica Levi: “Hosting” (single) Kim Gordon: “No Home Record” (album) Dean Blunt: “Zushi” (album) Ms Nina, Tomasa del Real: “Y Dime” (single) Claus Haxholm, Gasoline-koncert i Odense 16. november 2019 Brother May: “Aura Type Orange” (album) Concepcion Huerta: “Personal Territories” (EP) Spellcaster: “Inventory” (album) Mabe Fratti: “Pies sobre la tierra” (album) 070 Shake: “Under the Moon, Morrow, Fish on Land” (single) Ydegirl: “notes19” (EP) PPomo ASMR (Youtube-kanal) Tumben K’aay: “Suut u súutuk” (album) Astrid Sonne: “Cliodynamics” (EP) Shygirl: “Uckers” (single) Paul Marmota DJ-set på Terminal – Club, CDMX 6. december 2019
Peter Albrechtsen, lyddesigner og skribent
Dansk: 1. Efterklang: “Altid sammen” (4AD) 2. Claus Hempler: “Kuffert fuld af mursten” (Columbia/Sony) 3. Orm: “Ir” (Indisciplinarian) 4. Merdh Laleh: “Water For Your Eyes” (Petrola80) 5. Bremer/McCoy: “Utopia” (Luaka Bop) 6. Trentemøller: “Obverse” (In My Room) 7. Av Av Av: “No Statues” (The Bank) 8. Ganger: “Mørk” (Yachtvej) 9. Baest: “Venenum” (Century Media) 10. Astrid Sonne: “Cliodynamics” (Escho) 11. Lowly: “Hifalutin” (Bella Union) 12. Hans Philip: “Forevigt” (Copenhagen) 13. Sofie Birch: “Planetes” (Seil Records) 14. Heathe: “On the Tombstones; the Symbols Engraved” (Wolves and Vibrancy) 15. Bjørn Svin: “2 Point 5 Step Pets” (Endless Process)
Internationalt: 1. Nick Cave & the Bad Seeds: “Ghosteen” (Ghosteen Ltd.) 2. FKA twigs: “Mary Magdalene” (Young Turks) 3. Tool: “Fear Inoculum” (Volcano Entertainment/RCA) 4. James Blake: “Assume Form” (Polydor) 5. Lizzo: Cuz I Love You (Nice Life/Atlantic) 6. Zonal: Wrecked (Relapse) 7. Bon Iver: “i, i” (Jagjaguwar) 8. Bill Callahan: “Shepherd in a Sheepskin Vest” (Drag City) 9. Thom Yorke: “Anima” (XL) 10. Lambchop: “This (Is What I Wanted to Tell You)” (City Slang) 11. Billie Eilish: “When We All Fall Asleep, Where Do We Go?” (Darkroom/Interscope) 12. Wilco: “Ode to Joy” (dBpm Records) 13. Cattle Decapitation: “Death Atlas” (Metal Blade Records) 14. Matmos: “Plastic Anniversary” (Thrill Jockey) 15. Slipknot: “We Are Not Your Kind” (Roadrunner Records) 16. Clairo: “Immunity” (Fader Label) 17. Moor Mother: “Analog Fluids of Sonic Black Holes” (Don Giovanni Records) 18. Elbow: “Giants of All Sizes” (Polydor) 19. Klein: “Lifetime” (ijn inc.) 20. Leonard Cohen: “Thanks for the Dance” (Legacy Recordings/Columbia) 21. Jenny Hval: “The Practice of Love” (Sacred Bones) 22. Fennesz: “Agora” (Touch) 23. Kevin Richard Martin: “Sirens” (Room40) 24. Cult of Luna: “A Dawn to Fear” (Metal Blade Records) 25. Lankum: “The Livelong Day” (Rough Trade) 26. Alessandro Cortini: “Volume Massimo” (Mute) 27. clipping.: “There Existed an Addiction to Blood” (Sub Pop) 28. Hot Chip: “A Bath Full of Ecstasy” (Domino) 29. Baron Mordant: “Mark of the Mould” (Mordant Music) 30. Anne Müller: “Heliopause” (Erased Tapes)
Bedste soundtracks: 1. Hildur Guđnadóttir: “Chernobyl” (Deutsche Grammophon) 2. Trent Reznor & Atticus Ross: “Waves” (The Null Corporation) 3. Bobby Krlic: “Midsommar” (Milan) 4. Mica Levi: “Monos” (Invada) 5. Hildur Guđnadóttir: “Joker” (Watertower Music) 6. Dan Levy: “I Lost My Body” (Lakeshore Records) 7. Daniel Lopatin: “Uncut Gems” (Warp) 8. Ben Salisbury & Geoff Barrow: “Luce” (Invada) 9. Cliff Martinez: “Too Old to Die Young” (Milan) 10. Daniel Pemberton: “Motherless Brooklyn” (Watertower Music) 11. Jung Jae Il: “Parasite” (Sacred Bones) 12. Trent Reznor & Atticus Ross: “Watchmen” (The Null Corporation) 13. Randy Newman: “Marriage Story” (Lakeshore Records) 14. Matt Morton: “Apollo 11” (Milan) 15. Trent Reznor & Atticus Ross: “Bird Box” (The Null Corporation) 16. Max Richter: “Ad Astra” (Deutsche Grammophon) 17. Nathan Johnson: “Knives Out” (Mondo/Cut Narrative) 18. Stuart Staples: “High Life” (Milan) 19. Michael Abels: “Us” (Back Lot Music) 20. Mark Jenkin: “Bait” (Invada) 21. Mark Korven: “The Lighthouse” (Sacred Bones) 22. Marcelo Zarvos: “Dark Waters” (Lakeshore Records) 23. James Newton Howard: “A Hidden Life” (Sony Classical) 24. Ben Frost: “Dark” (Bedroom Community) 25. Emile Mosseri: “The Last Black Man in San Francisco” (Lakeshore Records)
Top 10 yndlingslyde: – Den magiske brug af stemmer i Jacob Kirkegaards “Morgue”-korkoncert i Cisternerne – Det mærkværdige vandinstrument ved Björks koncert i Royal Arena – De vilde teksturer i nummeret “Wrecked” af Zonal – Samspillet mellem subjektiv lyd og suggestiv musik i “Chernobyl” – Det eminente brug af toglyde i både “Joker” og “Mindhunters” 2. sæson – Alt med en motor i “Le Mans ‘66” – Vinden i bladene i “Parasite” – De altomsluttende atmosfærelyde i “Sunset” – Det svævende sci-fi-design i “Ad Astra” – “Apocalypse Now” i IMAX. Amen.
Og sidst, men ikke mindst – en æra sluttede i 2019, så derfor: Slayer, tak for alt!
Sofie Birch, komponist
Best Silent Tracks of 2019 Jeg har lavet en liste med nogle af mine absolutte yndlingskunstnere og inspirationskilder fra labels, jeg altid holder godt øje med. Jeg har udplukket ét nummer fra hver af kunstnernes udgivelser i 2019 og samlet dem som de bedste stille tracks fra året, der er gået.
Jeg holder meget af stille musik, der bevæger sig i dynede frekvenser, cirkulerer omkring temaer (som Emily A. Spragues “Mesa”), eller musik, der langsomt og sikkert bygger sig op til et klimaks (Jan Jelineks signaturtræk repræsenteret på “Relief, pt.1”).
På nogle af numrene bliver der brugt naturoptagelser til at skabe højfrekvente teksturer, og det gamle new age-trick mister aldrig sin værdi for mig. Jeg synes, det er vanvittigt beroligende og evigt moderne (som naturen). Som på Andrew Peklers “Description of Rain (Over Frisland)”, hvor jeg ikke ved, om lyden af regn er optaget eller syntetisk, og som fulgekvidderen på Félicia Atkinsons “Joan” og vandløbet på Green-Houses “Peperomia Seedling”. Jeg har også plukket numre ud, hvor der er decideret stilhed, som Johan Carøes “Charlie” fra “Zenmetal”. Det er fuldkommen magisk, og det er noget, jeg lige nu sidder og arbejder med i min egen musik.
Tim Heckers “Step away from Koyono” er en helt fantastisk blanding af synths og woodwinds, der bevæger sig ind i hinanden og bliver til et langstrakt forløb af fredsommelighed ligesom på Visible Cloaks “Atelier”, hvor de har samarbejdet med Yoshio Ojima og Satsuki Shibano om at blande digitale og akustiske instrumenter. Teebs og Thomas Stankiewicz’ “Atoms Song” har en gennemgående rytmisk puls lidt i ånd med Steve Hauchildts “A Planet Left Behind”, og alligevel er begge numre meget elastiske og svævende.
Imens jeg har siddet og flettet listen sammen, er jeg blevet opfyldt af en skøn vinterfred, som jeg håber breder sig længere ud til alle, der lytter.
Green-House: ”Peperomia Seedling” Steve Hauschildt: “A Planet Left Behind“ Felicia Atkinson: “Joan“ Emily A. Sprague: “Mesa” Jan Jelinek & ASUNA: “Relief, pt.1“ Andrew Pekler: ”Description of Rain (Over Frisland)” Johan Carøe: “Charlie” Tim Hecker: “Step away from Koyono” Visible Cloak, Yoshio Ojima, Satsuki Shibano: “Atelier” Teebs, Thomas Stankiewicz: “Atoms Song” Jogging House: “Coral” lueke: “Of the Dust”
Claus Haxholm, komponist og kunster
Sikken et år. Sikke en masse musik. Mange timer på landets landeveje med John Denver og countrymusik. Her er et uddrag af det, der har rørt mig igennem året.
1. M.K Frøslev: “10 pieces for guitar and various instruments” Flot, ny rolig musik med intrikate/spændende/mærkværdige tekniske valg, luftigt og krydret.
2. Gabi Losoncy: “Survivor” Rigtig intenst, som Gabis ting tit er på en meget kropslig og ukompliceret måde; no BS. Generelt har jeg hørt mange af GL’s ting på hendes youtube i år.
7. Sniper culture: “Combat Rock” 7″ Gid mere hardcore blev optaget på telefoner (hvilket det her ikke er), men stadig ok knaldet lyd.
3. N.M.O: “Nuova Musica Ostinata” Alku-stilen (er det for hårdt sagt?), men der sker altså noget her! Frit/smeltende på en helt anden måde. Rigtig vedkommende, at der bliver arbejdet på/med/imod den digitale renhed, der godt kan dominere lidt til tider på de kanter.
4a. Lorenzo Tebano: “One Hundred Quid Oh Yeah/Amethist” Endnu en intensitet på spil, men med en helt anden stoflighed. Rigtig spændende nærværsdynamikker, der bliver rykket rundt her. Jeg forestiller mig de to tracks som en 7”, selvom der er en del år imellem dem, men læsere af dette kan jo lave en imaginær, topfed 2019-7” selv.
6. Sulphuric Night: “Forever Cursed” Far-rock fra vinkælderen. Fed portvins-BM. Sødme og action.
4b. Jamaika: “Nordsiden” Jeg ved ikke, om Jamaika ved det, og om det overhovedet har hans intellektuelle interesse. Jeg tvivler; men han (eller produceren Mike Lowrey) har lavet et album, der arbejder med nogle af de dybeste (musik-)metaproblematikker/traumer, hiphoppen ikke så ofte tager op: loopet, gentagelsen, Sturtevants spøgelse. Uanset hvilken hvidmandslommefilosofi man kan væve ind i pladen (fra privilegiernes tågede toppe), er det bare en helt vild plade. Sikke valg og sikke vedkommenhed, der bare rykker og nok vigtigere; trykker. Både på gaden og ihvertfald i mit hoved.
5. Spellcaster-koncerten på Hotel Jazz House Der skete sgu noget der; en krystallisering, et såkaldt momentum.
8. Triad God: “Triad” Enkelhed, eller.
9. Momoc zine hvad sker der her!? Af en eller grund er der noget nostalgi, der bobler i mig i dette overflødighedshorn af billed, tekst og lydmateriale. Igen virkelig fedt, hvordan der sættes en ære i æstetisk friktion. Ikke fordi den er ikke helt grel, der sker bare meget!
10. Musikblogs genopliver/svampe ud af skyggerne og Youtube Jeg har fundet blogsene lidt frem igen, og der erstadignoglederude. Det er en dejlig måde at kukkelure på, når man ikke helt ved, hvad man tørster efter.
Anne Gry Friis Kristensenaka. Fabienne Erato, musiker og lyddesigner
Fatima Al Qadiri – Atlantics Soundtrack Félicia Atkinson – The Flower And The Vessel Rie Nakajima – Fusuma 地球 – ジャングル Jana Winderen – Pasvikdalen
Martin Hjorth Frederiksen, Börneblogger
1. These New Puritans: “Inside the Rose” (Infectious Music) These New Puritans kunne i 2008 rubriceres som et marginalt mere ambitiøst band end Klaxons og andre bands i MySpace-æraen, og jeg var en af dem, der afskrev dem i flere år. Men englænderne voksede og voksede, indtil de pludselig leverede en dyster artpop-perle med “Field of Reeds” i 2013. Seks år senere vendte de endelig tilbage med den endnu tungere og endnu mere naturorienterede “Inside the Rose”. Det er lyden af dommedag med en lillebitte smule håb, og det er både underspillet og storladent. Særligt trommerne er ofte voldsomme i ellers stille øjeblikke, og det hele føles som en forhandling mellem såvel mennesker og maskiner som mennesker og natur og maskiner og natur. Som hvis “Matrix 3” havde været en god film.
2. Nkisi: “7 Directions” (UIQ) Syv eksperimenterende technokompositioner med titler skrevet med romertal. Det er slet ikke så prætentiøst, som det lyder. Nkisi er født i Congo, opvokset i Belgien og nu bosat i London. Hendes debutplade er inspireret af afrikansk kosmologi og congolesiske rytmer, der både lægger sig under synthesizeren og til tider banker løs over den. Det hele bør høres som en helhed, men skulle jeg under bizar tortur tvinges til at fremhæve en komposition, er “IV” særligt vellykket.
3. Caroline Polachek: “Pang” (Perpetual Novice) Chairlift var et ofte godt og lidt ujævnt popband med nogle gevaldige højdepunkter og en enkelt ret solid plade (“Something” fra 2012). Under eget navn når Caroline Polachek nye højder og udforsker virkelig sin formidable stemme, der mestrer alt fra det umiddelbare til det outrerede, der et par gange nærmest minder om fremtidscountry. Albummet er isnende klart produceret, men med masser af varme. Fra hittet “So Hot You’re Hurting My Feelings” til sjæleren “Look at Me Now” er det en moderne popplade, der stort set har det hele.
4. Triad God: “Triad” (Presto!?) Vinh Ngan har base i London og er af vietnamesisk og kinesisk afstamning. Meget mere vides ikke om ham. “Triad” er en slags opfølger til hans mixtape fra 2012, “NXB”, som også er lavet i samarbejde med produceren Palmistry, og musikken er lige så indhyllet i mystik som hans begrænsede biografi. Han taler sig igennem det meste, ofte på kantonesisk, og de engelske sætninger gentages nærmest messende. Det lyder af en nær fremtid og ensomhed. Det er sært dragende, og jeg forstår ingenting.
5. Floating Points: “Crush” (Ninja Tune) Sam Shepherds udgivelser under navnet Floating Points kategoriseres som elektronisk musik, men det er ofte jazzet, om end i mindre grad på “Crush” end på debutalbummet “Elaenia” fra 2015. Og fandme om ikke det også er inspireret af krautheltene Harmonia! Den gode hyrde balancerer det voldsomme og det rolige bedre end de fleste, og selvom han i korte øjeblikke giver så meget los, at han næsten lyder som en tandlæge, kammer det aldrig helt over. “LesAlpx” er måske det enkeltstående elektroniske højdepunkt i år.
6. 96 Back: “Excitable, Girl” (Central Processing Unit) Evan Majumdar-Swift bor ganske vist i Manchester, men han er født i Sheffield, og det er derfor meget passende, at hans debutalbum ofte er lyden af stål. Det er techno og electro med en del afstikkere. Som på “Lezi”, hvor han lader os trække vejret med både smuk og ildevarslende ambient. Det hele lyder som et komprimeret, fremragende DJ-sæt.
7. Julia Kent: “Temporal” (Leaf) Tid til at blive deprimeret! Canadiske Julia Kent komponerer underspillet og spiller dramatisk med violinen i fokus. Det lyder som et soundtrack til vindblæste landskaber, en hyldest til de visnede markblomster. Musik til mørket. Det har vi heldigvis masser af.
8. Weyes Blood: “Titanic Rising” (Sub Pop) Titlen er selvfølgelig en reference til filmen. Selvom alt hos Natalie Laura Mering er tilbagelænet, er det gammeldags dramatisk. Hun elsker film, og hele pladen er på sin vis filmisk (der er endda en sang ved navn “Movies”). “Titanic Rising”indeholder de stærkeste melodier på nogen plade fra 2019, og “true love is making a comeback” er årets herligste one-liner.
9. Jenny Hval: “The Practice of Love” (Sacred Bones) Jenny er ikke bare fantastisk med ord, hun har også en klarere stemme end de fleste. Og så er hun gladere for ordspil, end hun måske selv vil indrømme. “The Practice of Love” siger det hele. Det er både en praksis, som hun behandler som et koncept, og det er en øvelse, altså en proces. Hun har det voldsomt svært med ordet kærlighed, og det behandles særligt i titelsangen, som er en slags samplet samtale mellem hende, Laura Jean og Vivian Wang (“I hate ‘love’ in my own language. It contains the entire word “honesty” inside it, which makes it sound religious, protestant, hierarchic, purified”). Jenny Hval er KunstPop med stort K og stort P.
10. Vegyn: “Only Diamonds Cut Diamonds” (PLZ Make It Ruins) Joe Thornalley fik sit lille gennembrud i 2017 med sine produktioner for Frank Ocean, og i år udgav han så sit let overrumplende debutalbum fyldt med korte sange, hvoraf 13 af de 16 sange er under tre minutter lange. Noget er instrumental hiphop, noget er ambient, og en sang som “Debold” minder lidt om gode, gamle Múm. Vegyn er et sjovt bekendtskab.
11. Barker: “Utility” (Ostgut Ton) Debutalbummet fra Sam Barker er ofte en slags ambient techno. Det er techno uden stortromme og radikalt i sin tilgang. Trommerne er simpelthen godt gemt væk. Det er blødt hakkende og hostende, men hele tiden med en plan. En usædvanligt stilsikker debut.
12. Anna Meredith: “FIBS” (Moshi Moshi) Den skotske komponists andet studiealbum er vidunderligt desorienterende. Det er et glimt af fremtiden, som det væver sig ind og ud mellem klassisk komposition og pop uden nogensinde at være nogen af delene. “FIBS” lyder som intet andet i 2019, og det er rørende i alt sit hyperdrama. Det er til tider heroisk (som i “Limpet”, der kan minde en anelse om Fang Island i entusiasmen), og teksterne leveres alvorligt med afvæbnende humor: “You say you’re dancing in the deep end, but to me it looks like drowning.” Av.
13. Deerhunter: “Why Hasn’t Everything Already Disappeared?” (4AD) Der er få bands, der har overlevet at brage ind på Pitchfork-radaren i midten af nullerne, som det er lykkedes for Deerhunter. De udgiver udelukkende gode plader, og med “Why Hasn’t…” har de tilmed lavet deres bedste siden “Halcyon Digest”i 2010. Titlen antyder både forundring og skuffelse, og det passer glimrende på stemningen pladen igennem. Vi fortjener ikke rigtigt at være på denne planet, men håbet lever, og måske er der en grund til, at vi er her endnu: Vi kan nå at gøre det godt igen.
14. Pure Bathing Culture: “Night Pass” (Infinite Companion) Pure Bathing Culture er et vidunderligt band. De gør tingene på deres egen måde, skriver flotte sange, fremstår sympatiske. En plade som “Pray for Rain” (2015) kunne være én af årtiets bedste popbedrifter, hvis de ikke havde overproduceret den. Hører man i stedet sangene i KEXP-versionerne, hører man straks, hvor gode de faktisk er. Sangene matcher de store produktioner bedre på “Night Pass”, hvor det kunne lyde til, at duoen har været dybt nede i “Tango in the Night” – det kan man ikke fortænke dem i. Pure Bathing Culture er feriefølelse, og det har vi alle sammen brug for.
15. Special Request: “Offworld” (Houndstooth) Jeg kan lide enhver titel, der får mig til at tænke på Blade Runner. Paul Woolford har med “Offworld” lavet en lidt rodet plade, som dog har tilpas mange højdepunkter. Ofte er det en slags retrotechno. Resident Advisor beskriver det som tidlig Detroit-techno, der møder 80’ernes synth-funk, og det giver måske lidt en idé om de mange retninger, lytteren bliver taget med i.
16. Sasami: “Sasami” (Domino) Sasami Ashworth er amerikaner, men hendes debutalbum lyder umiskendeligt engelsk. Hun ved, hvad hun kan med sin stemme og holder det enkelt. Trommerne er let mekaniske, ofte krautede. Guitarerne er skarpe og klare. Det kunne næsten være en hyldestplade til Broadcast, og det kan man ikke have noget imod, når det er så gennemført.
17. The Comet Is Coming: “Trust in the Lifeforce of the Deep Mystery” (Impulse!) Fra start til slut er “Trust in the Lifeforce…” spillet med en vanvittig nerve. Shabaka Hutchings har længe været en af de vigtigste skikkelser på Londons nye jazzscene, og her trutter han sig veloplagt gennem de ni ret forskellige sange, hvoraf “Summon the Fire” byder på et af årets mest mindeværdige riffffff.
18. Angel Olsen: “All Mirrors” (Jagjaguwar) Egentlig troede jeg, at jeg for en stund havde fået nok af Angel Olsen. Jeg har ikke turdet lytte til de gamle plader af frygt for, at de sidder fast i en tid. Førstesinglen og titelsangen gjorde ikke det store for mig, da den udkom i sensommeren. Men så kom andensinglen “Lark”. En sand perle, som også indleder pladen. Og på pladen sætter den en stemning, som løfter titelsangen og resten af pladen. Det hænger flot og mørkt sammen. Hun lider så at sige flottere end tidligere.
19. Nivhek: “After Its Own Death / Walking in a Spiral Towards the House” (Yellow Electric) Titlen er selvfølgelig lidt prætentiøs, men det gør ikke noget. Nivhek er et nyt navn for Grouper. Liz Harris har under sit nye navn lavet endnu et dybt deprimerende og virkelig flot plade, som dybest set er en påmindelse om vores egen dødelighed. Man står på verandaen og ser på støvet, hører vindspillet, kigger ned i jorden. Det mest grå album i 2019.
20. Sharon Van Etten: “Remind Me Tomorrow” (Jagjaguwar) Pladen starter med et nik til forgængeren “Are We There” fra 2014. Klaveret i “I Told You Everything” er stort set det samme som i “Afraid of Nothing”, men melankolien er tungere her. Der er sket meget med Sharon van Etten på de fem år, og hun har meget at sige til sit yngre jeg. Den nyvundne visdom går igen pladen igennem, og det fungerer tydeligst og bedst på “Seventeen”, en af årets absolut bedste sange.
21. Hand Habits: “Placeholder” (Saddle Creek) Meg Duffy har spillet med bl.a. Weyes Blood, Kevin Morby, The War on Drugs og William Tyler (hans “Goes West” er en hyggelig honourable mention fra 2019). Under navnet Hand Habits har hun i år udgivet sin anden plade fyldt med gode melodier og underspillede produktioner. Det hele er lidt opgivende, og det slipper hun virkelig godt fra. Eneste minus er, at alle titler er skrevet med små bogstaver. Sagt på en anden måde har Hand Habits begået en dejlig, dejlig plade.
22. Tiny Ruins: “Olympic Girls” (Ba Da Bing!) Bandnavnet er bedårende, og det er “Olympic Girls” også. De kommer fra New Zealand og er i virkeligheden mest af alt Hollie Fullbrook. Født i Bristol og boet i New Zealand fra 10-årsalderen. Fullbrook er en lidt gammeldags storyteller, der skaber enkle, men fyldige lydbilleder med sin guitar. Man hører tydeligt, at hun har turneret med Fleet Foxes, og det er okay.
23. American Football: “American Football (3)” (Polyvinyl/Big Scary Monsters) Debutalbummet er allerede 20 år gammelt. Emo før den dårlige emo. College-stemning, som vi danskere kun kan drømme om gennem tv-skærmen. At American Football skulle komme tilbage og lave en hæderlig plade i 2016, var overraskende. At bandet skulle lave en tredje plade i 2019, som er endnu bedre end debutalbummet… Det var svært overraskende. Det er selvfølgelig en blasfemisk påstand, når debutalbummet indeholder så mange ikoniske øjeblikke, men den nye plade (som gudskelov også bare hedder “American Football”) hænger stærkere sammen. Og så lyder den storslået. Produktionen er noget af det bedste, jeg har hørt i år, og gæstevokalisterne fungerer fantastisk.
24. Lana Del Rey: “Norman Fucking Rockwell!” (Polydor) Hun har modbevist de fleste af os. Efter nogle fremragende singler i 2011 og en hæderlig debutplade i 2012 løb Lana Del Rey ind i en del modstand: Hun var dårlig live, og der var ikke meget ved de efterfølgende plader. Med “NFR!” har hun ifølge de fleste lavet sin hidtil bedste plade, og det er svært at være uenig i. Sangene er stemningsfulde, og det største minus er, at albummet er for langt.
25. Bedouine: “Bird Songs of a Killjoy” (Spacebomb) Syriskfødte Azniv Korkejian dyrker klassisk sangskrivning. Det er folk med bløde trommer og diskrete strygere. Hun har selvfølgelig lyttet til Joni Mitchell, og det kan vi være glade for. Der er også elementer af Marissa Nadler og Jessica Pratt, og luftigheden i stemmen kan minde om Aldous Harding (hvis album “Designer” befinder sig et sted liiige uden for denne liste). Azniv Korkejian står også for en af de mest behagelige koncerter, jeg har set i år (i september på et fyldt Alice).
Internationalt: Blanck Mass: “Animated Violence Mild” (Sacred Bones) Caterina Barbieri: “Ecstatic Computation” (Editions Mego) Jefre Cantu-Ledesma: “Tracing Back the Radiance” (Mexican Summer) The Humble Bee & Offthesky: “All Other Voices Gone, Yours Remains” (IIKKI) Loraine James: “For You & I” (Hyperdub) Leo Svirsky: “River Without Banks” (Unseen Worlds) Nkisi: “7 Directions” (UIQ) Sault: “5” (Forever Living Originals)
Honorable mentions: Big Thief: “U.F.O.F” (4AD) King Midas Sound: “Solitude” (Cosmo Rhythmatic) Matmos: “Plastic Anniversary” (Thrill Jockey) Nivhek: “After its own death / Walking in a spiral towards the house” (Yellow Electric) Oli XL: “Rogue Intruder, Soul Enhancer” (Bloom)
Koncerter: Gestalt Minimal (Torup Kontemporær festival) Sarah Davachi (Sankt Johannes Kirke) P.O. Jørgens (Insula) Misantrop (Ved Siden Af) Kali Malone & Erik Enocksson (Koncertkirken)
Dansk: Forte: “Intermissions” (ØEN Records) Collider: “-><-” (Escho) Kasper Marott: “Forever Mix” (Kulør) Peter Jørgensen: “Alt i stykker” (No Technique) øjeRum: “Syv segl” (Obsolete Future) Astrid Sonne: “Cliodynamics” (Escho) Teguh Permana & Yngel: “Teguh Permana & Yngel” (Resonans) Jonas Munk & Nicklas Sørensen: “Always Already Here” (El Paraiso Records) Sortlegeme: “Awe” (Perfect Aesthetics) NL110: “Agility” (No Hands)
Internationalt: Brahja: “Brahja” (RR Gems) MMMD: “Egoismo” (Antifrost) Akira Rabelais: “CXVI” (Boomkat Editions) Nivhek: “after its own death/walking in a spiral towards the house” (Yellow Electric) Deaf Center: “Low Distance” (Sonic Pieces) Daniel Schmidt and the Berkeley Gamelan: “Abies Firma” (Recital) Sarah Davachi: “Pale Bloom” (W.25th) Deathprod: “Occulting Discs” (Smalltown Supersound) 75 Dollar Bill: “I Was Real” (Thin Wrist) Kali Malone: “The Sacrificial Code” (iDEAL Recordings)
Heathe
Kim Elgaard Andersen
Dansk: Croatian Amor: “Isa” (Posh Isolation) Denial of God: “The Hallow Mass” (Hells Headbangers) Gullo Gullo: “Raw Moon” (Escho) Heathe: “On the Tombstones; the Symbols Engraved” (Wolves and Vibrancy) Jonas Munk & Nicklas Sørensen: “Always Already Here” (El Paraiso Records) Lunden: “Lunden” (Abstract Tits) Musik til mor: “ζωή” (Aftenrutine) Town Portal: “Of Violence” (Small Pond)
Internationalt: Arthur Russell: “Iowa Dream” (Audika Records) Bill Orcutt: “Odds Against Tomorrow” (Palilalia) Billy Woods & Kenny Segal: “Hiding Places” (BackwoodzStudios) Black Midi: “Schlagenheim” (Rough Trade) Black to Comm: “Seven Horses for Seven Kings” (Thrill Jockey) Cult of Luna: “A Dawn to Fear” (Metal Blade Records) Freddie Gibbs & Madlib: “Bandana” (ESGN) Injury Reserve: “Injury Reserve” (Loma Vista) Little Simz: “Grey Area” (Age 101) Lizzo: “Cuz I Love You” (Nice Life/Atlantic) Michael Kiwanuka: “KIWANUKA” (Polydor/Interscope) Motorpsycho: “The Crucible” (Stickman Records) Purple Mountains: “Purple Mountains” (Drag City) Roy Montgomery: “After Nietzsche” (Aguirre) Shellac: “The End of Radio” (Touch and Go) Sunwatchers: “Illegal Moves” (Trouble in Mind) Swans: “Leaving Meaning” (Young God/Mute) Tool: “Fear Inoculum” (Volcano Entertainment/RCA) Tyler, the Creator: “IGOR” (A Boy Is a Gun/Columbia) Ustad Saami: “God Is Not a Terrorist” (Glitterbeat) Waste of Space Orchestra: “Syntheosis” (Svart Records) Your Old Droog: “It Wasn’t Even Close” (Gogul Mogul)
SØS Gunver Ryberg
Sandra S. Borch
Dansk: Astrid Sonne: “Cliodynamics” (Escho) Central: “Om Dans” (Help Recordings) Erika de Casier: “Essentials” (Independent Jeep Music) Merdh Laleh: “Water For Your Eyes” (Petrola80) Sofie Birch: “Island Alchemy” (Constellation Tatsu) SØS Gunver Ryberg: “Entangled” (Avian) øjeRum: “Syv segl” (Obsolete Future)
Internationalt: 19 Gadi Pirms Sākuma: “19 Years Before the Beginning” (Stroom) Celestial Trax: “Serpent Power” (True Aether) DJ Haram: “Grace” (Hyperdub) DJ Python: “Derretirse” (Dekmantel) Geko: “22” (3Beat) Georgia: “Immute” (Ekster) Koffee: “Rapture” (Promised Land Recordings/Columia) Lukid: “Drip” (Arcola) Nkisi: “7 Directions” (UIQ) Ondo Fudd: “Eyes Glide Through the Oxide” (The Trilogy Tapes) Upsammy: “Wild Chamber” (Nous’klaer Audio)
Oddsize: Soho Rezanejad: “Torino” (Silicone Records) Centeret: “2000” (Centeret) ML Buch: “I Feel Like Giving You Things” (single) (Anyines) Astrid Sonne: “Cliodynamics” (Escho) Jaleh Negari: “wood·body·inside·concrete excerpts” (selfreleased) Fryd Frydendahl & Lars Greve: “Solhverv” (Roulette Russe) Julie Bo: “Collected Songs” (reissue) (Forlaget Kornmod/Ark Tarp) Gate Hand: “Songs to the Keeper” (Sensorisk Verden) G Bop Orchestra: “Pile Up” (One Take Records) Weirdozer: “Weirdozer” (Gold Records)
Internationalt: The Caretaker: “Everywhere, an Empty Bliss” / ”Everywhere at the End of Time 4-6” (History Always Favours the Winners) Jenny Hval: “The Practice of Love” (Sacred Bones) Moor Mother: “Analog Fluids of Sonic Black Holes” (Don Giovanni Records) Bill Callahan: “Shepherd in a Sheepskin Vest” (Drag City) Kim Gordon: “No Home Record” (Matador) William Tyler: “Goes West” (Spooky Buffalo Music) FKA twigs: “Magdalene” (Young Turks) 75 Dollar Bill: “I Was Real” (Thin Wrist) Purple Mountains: “Purple Mountains” (Drag City) Aldous Harding: “Designer” (4AD)
Anbefalede festivaler og line-ups fra året: Torup Kontemporær Festival for Virkelig Ny Klassisk Musik Percussive Outreach Programme SuMMeR SuMmiT Kill Town Death Fest Fanø Free Folk Festival Frigjort Festival
Internationalt: Will Guthrie: “Some Nasty” (Hasana Editions) Yellow Eyes: “Rare Field Ceiling” (Gilead Media) Kurokuma: “Sheffield’s Best Metal Bands Vol. 1” (Off Me Nut) Valentina Magaletti & Julian Sartorius: “Sulla Pelle” (Marionette) Beth Gibbons / Krzysztof Penderecki: “Henryk Górecki: Symphony No. 3” (Domino) Full of Hell: “Weeping Choir” (Relapse) Lightning Bolt: “Sonic Citadel” (Thrill Jockey) Mayhem: “Daemon” (Century Media) Tomaga: “Extended Play 1” (Negative Days) Girl Band: “The Talkies” (Rough Trade) Richard Dawson: “2020” (Domino) VLTIMAS: “Something Wicked Marches In” (Season of Mist) Thom Yorke: “Anima” (XL Recordings) Jenny Wilson: “Trauma” (Gold Medal) Unsilent Death: “Sentient Autolysis” (Caligari) Intensive Care / Incinerated: Split EP (Nerve Altar) Friendship: “Undercurrent” (Southern Lord) Eye Flys: “Context” (Thrill Jockey) Joy: “No Light Below” (To Live A Lie) Darkthrone: “Old Star” (Peaceville)
Aldous Harding
Adam Thorsmark
Dansk: Trader: ”Trader EP” (selvudgivet) Panser Kone: ”Drengene Hører Kidd Mens Jorden Går Under” (Fantasy Forever) Ydegirl: “Notes 19” (Escho) Astrid Sonne: “Cliodynamics” (Escho) Josiah Konder: “Through the Stutter” (selvudgivet) Lust for Youth: “Lust For Youth” (Sacred Bones) Repro: “Post-Nostalgia” (Kulør) Collider: ”-><-” (Escho) Scandinavian Star: “Solas” (Posh Isolation) Jonas Munk & Nicklas Sørensen: ”Always Already Here” (El Paraiso Records)
Internationalt: Dylan Moon: “Only the Blues” (RVNG Intl.) DIIV: “Deceiver” (Captured Tracks) Cate Le Bon: “Reward” (Mexican Summer) Aldous Harding: “Designer” (4AD) Christelle Bofale: “Swim Team” (Father/Daughter Records) Richard Dawson: “2020” (Domino) Kim Gordon: “No Home Record” (Matador) Carey: “The Driver” (Already Dead Tapes and Records) Charli XCX: “Charli” (Atlantic) Jenny Hval: “The Practice of Love” (Sacred Bones) Jay Som: “Anak Ko” (Polyvinyl) Purple Mountains: “Purple Mountains” (Drag City) Blanck Mass: “Animated Violence Mild” (Sacred Bones) DJ Nigga Fox: “Cartas Na Manga” (Príncipe Discos) The Flaming Lips: “King’s Mouth” (Warner) Fontaines D.C: “Dogrel” (Partisan Records) Black Midi: “Schlagenheim” (Rough Trade) Institute: “Readjusting the Locks” (Sacred Bones) Holly Herndon: “Proto” (4AD) Pile: “Green and Gray” (Exploding in Sound Records)
Denial of God
Rasmus Søndergård Madsen
Dansk: 1. Denial of God: “The Hallow Mass” (Osmose Productions/Hells Headbangers) 2. Gabestok: “TRE” (Strange Aeons) 3. Big Mess: “Blood Punk” (We Are Suburban) 4. Deiquisitor: “Towards Our Impending Doom” (Night Shroud) 5. Kogekunst: “LALA” (Musikkens Beskyttelse) 6. Apparatus: “Yonder Yawns the Universe” (Seed of Doom) 7. Altar of Oblivion: “The Seven Spirits” (Shadow Kingdom)
Internationalt: 1. Blood Incantation: “Hidden History of the Human Race” (Dark Descent/Century Media) 2. Purple Mountains: “Purple Mountains” (Drag City) 3. Crypt Sermon: “The Ruins of Fading Light” (Dark Descent) 4. Devil Master: “Satan Spits on Children of Light” (Relapse) 5. Tomb Mold: “Planetary Clairvoyance” (20 Buck Spin) 6. Reveal!: “Scissorgod” (Sepulchral Voice) 7. Ulver: “Drone Activity” (House of Mythology) 8. Sempiternal Dusk: “Cenotaph of Defectuous Creation” (Dark Descent) 9. Swans: “Leaving Meaning” (Young God Records) 10. Orthodoxy: “Novus Lux Dominus” (The Sinister Flame) 11. Krypts: “Cadaver Circulation” (Dark Descent) 12. Witch Vomit: “Buried Deep in a Bottomless Grave” (20 Buck Spin) 13. Ruby Haunt: “The Middle of Nowhere” (Selvudgivet) 14. Jungstötter: “Love Is” (Pias) 15. Abyssal: “A Beacon in the Husk” (Profound Lore) 16. Riot City: “Burn the Night” (No Remorse) 17. Pissgrave: “Posthumous Humiliation” (Profound Lore) 18. Opeth: “In Cauda Venenum (Swedish Version)” (Moderbolaget/Nuclear Blast) 19. Fetid: “Steeping Corporeal Mess” (20 Buck Spin) 20. Nucleus: “Eternity” (Unspeakable Axe Records) 21. Mortiferum: “Disgorged From Psychotic Depths” (20 Buck Spin) 22. Lingua Ignota: “Caligula” (Profound Lore) 23. Nosferatu: “Solution A” (La Vida Es Un Mus) 24. Vacivus: “Annihilism” (Profound Lore) 25. Ossuarium: “Living Tomb” (20 Buck Spin) 26. Profetus: “The Sadness of Time Passing” (Avantgarde Music) 27. Darkthrone: “Old Star” (Peaceville) 28. Institute: “Readjusting the Locks” (Sacred Bones) 29. Rome: “Le Ceneri Di Heliodoro” (Trisol) 30. Fontaines D.C.: “Dogrel” (Partisan) 31. Zu: “Terminalia Amazonia” (House of Mythology) 32. Nodding God: “Play Wooden Child” (House of Mythology) 33. Meth Assassin: “Reptilian Side of God” (Terratur Possessions) 34. Devin Townsend: “Empath” (Inside Out Music) 35. Henryk Górecki, Beth Gibbons, Polish National Radio Symphony Orchestra, Krzysztof Penderecki: “Symphony No. 3 (Symphony Of Sorrowful Songs) Op. 36 (Domino) 36. Superstition: “The Anatomy of Unholy Transformation” (20 Buck Spin) 37. Funeral Presence: “Achatius” (Sepulchral Voice/The Ajna Offensive) 38. Saint Vitus: “Saint Vitus” (Season of Mist) 39. Teeth: “The Curse of Entropy” (Translation Loss) 40. Here Lies a Man: “No Ground to Walk Upon” (RidingEasy) 41. Kel Assouf: “Black Tenere” (Glitterbeat) 42. Mdou Moctar: “Ilana: The Creator” (Sahel Sounds) 43. Tinariwen: “Amadjar” (Wedge) 44. Chromatics: “Closer to Grey” (Italians Do It Better) 45. Orville Peck: “Pony” (Sub Pop) 46. Nocturnal Departure: “Cathartic Black Rituals” (Selvudgivet) 47. Departure Chandelier: “Antichrist Rise to Power” (Nuclear War Now!) 48. Devourment: “Obscene Majesty” (Relapse) 49. Teitanblood: “The Baneful Choir” (Norma Evangelium Diaboli) 50. Haunter: “Sacramental Death Qualia” (I, Voidhanger)
Uden for kategori: Vinyltrolden: “Vinyltroldens Historier (What Happened to the Reason For Screaming)” – Alt overskud går til Børnecancerfonden.
Oddsize: Black Curse: “Endless Wound” (Demo) (Sepulchral Voice) Denial of God: “The Shapeless Mass” (Osmose Productions) Of the Wand and the Moon: “Bridges Burned and Hands of Time” (Heidrunar Myrkrunar/Tesco) Lugubrum/Urfaust: “Bradobroeders” (Ván Records) Sedimentum: “Demo 2019” (Selvudgivet) Ariel Pink: “Oddities Sodomies Vol. 2” (Mexican Summer) Chthonic Deity: “Reassembled In Pain” (Demo) (Carbonized Records/Woodsmoke/Lunar Tomb) Abysmal Grief/Abhor: “Legione Occulta/Ministerium Diabol” (Iron Bonehead) Phobophilic: “Undimensioned Identities, EP (Blood Harvest) Suffering Hour: “Dwell” (Blood Harvest) Undergang: “Ufrivillig Donation Af Vitale Organer” (Me Saco Un Ojo) Sanguisugabogg: “Pornographic Seizures” (Demo) (Maggot Stomp) V/A: “Killtown Death Fest 2019 Compilation” (Maggot Stomp) Grift: “Aftonklang: Live at Emanuel Vigeland Mausoleum” (Nordvis Produktion)
Genudgivelser: Randy: “The Studio Anthology” (inkl. 7″ replika af “Shadows Are Falling/Beast in the Night”) (No Remorse) Andrew W. K.: “I Get Wet” (Universal/Island) Ulver: “Trolsk Sortmetall 1993–1997” (Century Media) Reverend Bizarre: “In the Rectory of the Bizarre Reverend” (Svart) Miles Davis: “Ascenseur Pour L’Échafaud” (Pan-Am) Reverend Bizarre: “Harbringer of Metal” (Svart) Reverend Bizarre: “Death is Glory… Now” (Svart) Solanaceae: “Solanaceae” (Heiðrunar Myrkrunar) Anal Cunt: “Picnic of Love” (Anti-Corp) Venetian Snares: “Greg Hates Car Culture” (20th Anniversary) (Timesig)
Soundtracks: V/A: “The Irishman OST” (Sony) V/A: “Once Upon a Time in Hollywood” (Columbia) Hildur Guðnadóttir: “Chernobyl (Music From the HBO Miniseries)” (Deutsche Grammophon) Ben Frost: “Dark: Cycle 1 (Original Music From the Netflix Series)” (Invada) Ben Frost: “Dark: Cycle 2 (Original Music From the Netflix Series)” (Lakeshore) Trent Reznor and Atticus Ross: “Watchmen: Vol. 01 (Music From The HBO Series)” (The Null Corporation) Bobby Krlic: “Midsommar OST” (Milan) Hildur Guðnadóttir: “Joker (Original Motion Picture Soundtrack)” (Watertower Music) SQÜRL: “The Dead Don’t Die (Score)” (Sacred Bones) Kaada: “ZombieLars Soundtrack” (Mirakel Recordings)
Koncerter: 1. Ulver, Roskilde Festival 2. Killtown Death Fest: – Abysmal Dimensions – Black Curse – Funebrarum – Malthusian – Tomb Mold – Vastum – Profetus 3. Tormentor, Metal Magic Festival 4. King Diamond, KB Hallen 5. Sleep, Train 6. Chromatics, Desire, Vega
“Sitting Close To A Stranger” presents unreleased tracks of Young Bragi along side favourite harp artists and storytellers. Among many darlings it features Alice Coltrane, Andreas Vollenweider and Dorothy Ashby. It features a live recording of Dawda Jorbateh from his concert at next door record shop Insula Musicʼs last day before closing down (RIP). It features the theme song of the original computergame Zelda OCT (a recommendable game for wintertimes). It features a short remix of the lovely harp sensei Helen Daviesʼs beautiful tune transitioning into Casimirʼs Yulecat tale from skaldscircle.com. It features an edit of young bragi practice with good friend and guitarist Mads Kristian Frøslev and a mashup of Ange Halliwell, Nina Simone and name sis Brandee Younger. The reversed version of Alvin Lucierʼs Sitting in A Room is another personal highligt.
The music is compiled around the idea of the harp as a mediator of storytelling like in ancient bardic tradition. On this mix though itʼs detached from any historical time or specific culture. “Sitting Close To a Stranger” is made for long distance friend Cesar Ruizʼs radioshow which will broadcast sometime in the future. Now pre-shared through source passiveaggressive.dk. Full tracklist available below. Hope you will enjoy and have a charged 2020. yb.
Tracklist – Sitting Close to A Stranger
00:00:00 Young Bragi “Periment” (unreleased) 00:06:35 Alice Coltrane “Wisdom Eye” 00:09:34 Unidentified street musician “Pachelbel Canon in D Major” 00:11:08 Andreas Vollenweider “i” 00:14:46 Audioclip from Alan Lomax doc (link) 00:15:04 Ange Halliwell/Nina Simone/Brandee Younger (mashup) 00:17:24 Dorothy Ashby “Moving Finger” 00:22:58 Savourna Stevenson “Ballad Of Grey Weather” 00:26:59 Kaji Kondo “Fairy Magic” from Zelda OCT soundtrack 00:28:04 Helen Davies “The Meadow” (remix) 00:29:22 The tale of The Yule Cat told by Casimir 00:32:14 Dawda Jobarteh live rec from last day of Insula Music 00:36:34 Young Bragi “Christbeam” (unreleased) 00:39:16 Mary Lattimore “Bold Rides” 00:50:58 MK Frøslev & y bragi “Twergedit” 00:53:56 Alvin Lucier “Sitting in A Room” (reversed)
Info: Young Bragi is the alias of Alexander Holm of the label Sensorisk Verden and Vid Edda. Write sensoriskverden@gmail.com, if you are in the market for a personalized tape.
